La Filarmónica de Berlín on line: una maravilla, pero no tanto

Después de pensármelo mucho, me he rascado el bolsillo y me he suscrito durante un mes al "Digital Concert Hall" de la Filarmónica de Berlín, o lo que es lo mismo, a la posibilidad de ver en la red, via streaming, todos los conciertos de esta temporada y de la anterior, más algún otro de la 2007/2008, pagando una suma cercana a los cuarenta euros (enlace); la suscripción se puede prorrogar hasta el final de la presente temporada, pero la suma sube de manera sustancial.


¿Resultados? Impresionantes, pero con algún reparo más o menos serio. Y es que la calidad de imagen es en principio portentosa, superior a la de un DVD normal en definición, tan elevada que no importa demasiado que en algún momento pueda percibirse cierta artificiosidad en el movimiento o alguna pixelación en el fondo de la pantalla.

El problema es que esa calidad, la máxima de las tres que se ofrecen, no puede ser disfrutada por mi conexión de Telefónica de 10 Megas: la imagen se bloquea cada dos por tres. La calidad intermedia sufre algun corte, lo que tampoco es de recibo, así que hay que irse a la calidad más baja, que es digna pero queda lejos del ideal.

Además, no es fácil conectar el sonido de un ordenador portátil viejo al receptor de un equipo de música. En mi caso probé a pasar el sonido primero a la TV y de allí al receptor, pero extrañamente suena solo por un canal. Lo suyo sería tener un ordenador con salida HDMI, lo que no es mi caso, aunque sí dispongo (me lo he regalado por Reyes) un televisor Full HD bien preparado para la revolución del Blu-Ray.

Así las cosas, la única solución es utilizar algún programa para capturar la imagen de la red, y luego, con el archivo ya completo en el PC y sin saltos de ninguna clase, disfrutar de la audición. Desde el disco duro, y echándole tiempo al asunto, se pueden pasar los archivos a DVD, pero lo cierto es que con la conversión se pierde algo de calidad. El sonido, por otra parte, es irreprochable, y no se ve afectado por la molestísima compresión dinámica que perjudica a la mayoría de las retransmisiones televisivas.

La cosa parece más o menos clara: el futuro de la música grabada pasa por la red, sea pagando o gratuitamente, pero la tecnología -en este caso, la velocidad de circulación de los datos- sigue suponiendo una rémora considerable. A la espera de que las ciencias continúen adelantando que es una barbaridad, yo iré disfrutando de algunos de estos conciertos e iré dejando por aquí mis impresiones.

Otro Nabucco con Guleghina: Ópera de Viena, con dirección de Luisi

Arthaus acaba de reeditar -el DVD original lo lanzó en su momento TDK- este Nabucco filmado en la Ópera de Viena el 9 de junio de 2001, solo dos meses después que la producción del Met cuya reseña colgué en la entrada anterior (enlace), asimismo protagonizada por Maria Guleghina. Junto a la soprano ucraniana se encuentran en esta ocasión el barítono Leo Nucci y ese excelente director que es Fabio Luisi.



Aunque no tengo fresco el recuerdo de la función filmada en el Met, me da la impresión de que Guleghina está mejor en Viena que en Nueva York, porque aquí no pega chillidos en el sobreagudo -en el grave se queda corta, pero es que el papel se las trae-; por lo demás, sigue haciendo gala de un instrumento magnífico, poderoso y esmaltado, y una destreza más que suficiente en las agilidades. Desde luego debería mejorar su pronunciación del italiano, pero globalmente ofrece una Abigaille más que plausible para los tiempos que corren.

Leo Nucci defrauda en los dos primeros actos con un canto vulgar y monocorde que se ve acompañado por una actuación escénica de verdadera mediocridad. Pero a partir del enfrentamiento con Abigaille la cosa cambia y el veterano barítono boloñés destapa el tarro de las esencias para ofrecernos, ya que no un canto inmaculado, sí una línea admirablemente verdiana, de amplio fiato y buen legato, y una apreciable calidez expresiva que se hace más evidente aún -sin llegar en modo alguno a lo excepcional- en el cuarto acto.

Giacomo Prestia le pone voluntad al asunto pero no puede disimular su grisura expresiva ni la tendencia al trémolo de su voz. Magnífica la Fenena de Marina Domashenko, recordada Carmen con Lombard (TDK) y con Barenboim (aún no en DVD). Miroslav Dvorsky no sale mal parado como Ismaele. En cualquier caso el nivel musical sube como la espuma gracias a Luisi, que ofrece todo lo que tiene que tener el Verdi joven, es decir, teatralidad, vigor, frescura y una sana rusticidad, pero sin caer en la brocha gorda y el efectismo de gente como Levine y compañía. Admirable el tratamiento coral, y fabuloso el Va, Pensiero.

De la puesta en escena de Günter Krämer no molesta la traslación a la época actual, porque no hay provocación alguna y tanto situaciones como personajes siguen siendo los que Verdi tenía en mente. Sí molesta la fealdad visual de escenografía, vestuario e iluminación, aunque quizá sea esto preferible a la horterada orientalizante. La dirección de actores no resulta particularmente memorable.

Sea como fuere yo he disfrutado mucho este Nabucco, que en el plano musical me parece globalmente superior al del Met, si bien quienes le concedan más importancia a las voces que a la batuta pueden no estar de acuerdo. Como son soberbios la imagen y sonido (amplísima la gama dinámica, aunque el 5.1 no es "real"), me parece muy afortunada la reedición de este DVD, que por cierto no hace mucho se pudo pillar a un precio bajísimo en la colección de ópera del diario El Mundo. Así conseguí yo el mío, claro.

Nabucco con Pons, Guleghina y Levine en DVD

VERDI: Nabucco.
Pons, Hughes Jones, Ramey, Guleghina, White, Morscheck.
Metropolitan Opera Orchestra and Chorus. Dir: James Levine.
Deutsche Grammophon, 00440 073 0779
DVD. 142’
DDD
Universal
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Esta función neoyorquina de abril de 2001 transcurre bajo los previsibles parámetros marcados tanto por la convencional labor escénica del siempre correcto Elijah Moshinsky como por la batuta sin duda vistosa y teatral, pero también prosaica, efectista y vulgar de James Levine.

La velada se disfruta gracias fundamentalmente a la labor de un Juan Pons quizá no muy autoritario cuando las circunstancias lo requieren, pero sí cálido, emotivo y sincero. Todo lo contrario que Maria Guleghina, quien sale airosa -sobreagudos aparte- del temible rol de Fenena no precisamente por su capacidad para la introspección psicológica, sino por una exhibición de temperamento, ferocidad y poderío vocal de ese que despierta el frenesí entre tantos aficionados.

Samuel Ramey evidencia las limitaciones de la edad pero a ratos es capaz de hacer grandes cosas como Zaccaria, mientras que Wendi White es una digna Fenena y Gwyn Hughes Jones un Ismaele más bien discreto. El coro está mejor que en otras ocasiones.
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Artículo publicado en el número de julio-agosto de 2005 de la revista Ritmo.

PS. Guleghina tiene otros dos registros de Nabucco en DVD, en ambos junto a Leo Nucci: el que grabó en la Ópera de Viena en 2001 dirigiendo Fabio Luisi (TDK, recién reeditado por Arthaus), que espero comentar pronto en este blog, y el de la Arena de Verona de 2007 bajo la batuta de Daniel Oren (Decca).

Reedición de un clásico: La flauta mágica por Jonathan Miller y Franz Welser-Möst

MOZART: La flauta mágica.
Beczala, Hartelius, Scharinger, Mosuc, Salminen, Vogel. Coro y Orquesta de la Ópera de Zurich. Dir: Franz Welser-Möst.
Arthaus, 107 067
2 DVDs - 151’
DDD
Ferysa
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En su paulatina reedición de los primeros DVDs que lanzó TDK, el sello Arthaus rescata un verdadero “clásico moderno” que ha sido repetidamente alabado y premiado por la crítica internacional: la Flauta Mágica que ofreció la Ópera de Zúrich en el año 2000 bajo la batuta de Franz Welser-Möst en una producción escénica de Jonathan Miller.

Es precisamente la propuesta del regista británico lo más interesante de la función. Sobre una bellísima escenografía única de Philip Prowse consistente en una enorme librería masónica en la que no faltan obeliscos y pirámides, Miller se aparta de cualquier óptica que subraye lo que de lúdico, ingenuo o popular hay en la obra de Mozart y Schikaneder para abordar la trama como un conflicto entre el Ancient Régime de la Reina de la Noche y las luces de la Ilustración representado por el mundo de Sarastro, todo ello en el marco de la mismísma revolución francesa, a la que se alude directamente en el final: recordemos que Mozart escribe solo dos años después de la Toma de la Bastilla.

Si en manos de un director sin talento el resultado podría terminar siendo un ladrillo monumental, Miller logra convencer merced a una dirección de actores espléndidamente planificada y a un saludable sentido teatral que no renuncia en absoluto a la frescura ni al sentido del humor, y que llega a permitirse -dentro de su en general apreciable respeto por los diálogos- alguna que otra morcilla.

Muy alto el nivel canoro. Piotr Beczala sufre serios estrangulamientos en el aria del retrato, pero ya anuncia con su fraseo cálido y elegante, tan heredero de un Wunderlich, que se iba a convertir en uno de los más interesantes tenores líricos de nuestros días. No hay reparos ante la bellísima Malin Hartelius, una Pamina de voz perfecta para el papel y admirable línea de canto. Anton Scharinger (¿veremos algún día en DVD su filmación con Solti en Salzburgo?) se muestra como un cantante más que correcto y como un actor de primera: su Papageno rebosa naturalidad y simpatía sin necesidad de hacer payasadas. La otras veces estupenda Elena Mosuc inyecta toda la fiereza necesaria a la Reina de la Noche, pero vocalmente lo pasa mal en sus dos arias. Ni que decir tiene que Salminen ofrece un Sarastro referencial.

Correctísima, por su parte, la dirección del irregular Welser-Möst, y sería aún mejor si el director austríaco hubiera controlado su tendencia a la levedad y hubiera ofrecido mayor variedad expresiva. Espléndida la calidad técnica de los dos DVDs, pero hay algún descuido en los subtítulos en castellano, que son los mismos que incluía la edición anterior de TDK.

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Artículo publicado en el número de enero de 2010 de la revista Ritmo.

Los Brandemburgo por Gardiner: a correr se ha dicho

Desde que le escuché por pimera vez en directo, en la Catedral de Sevilla allá por 1992, con una fulgurante primera parte de Israel en Egipto y con el estreno mundial de La Muerte de Moisés de Alexander Goehr -espléndida partitura-, mantengo con John Eliot Gardiner una relación de amor-odio jalonada por cosas que me gustan muchísimo, como sus dos recreaciones del Oratorio de Navidad, cosas que me convencen solo a medias, como su sobrevalorado Mesías o la mayor parte de su Beethoven, y cosas que me parecen auténtica basura, como sus recientes sinfonías de Brahms (enlace). Estos Conciertos de Brandemburgo registrados hace pocos meses para su propio sello, Soli Deo Gloria, se enmarcan dentro del segundo grupo.


Hay en estas recreaciones dos enormes virtudes. La primera de ellas es su soberbio nivel técnico, y no solo en lo que al asombroso virtuosismo de los instrumentistas se refiere, sino también en lo que respecta al buen empaste que ofrecen (un aspecto realmente difícil de lograr dada su diversidad en cuanto a timbre y volumen) sin merma alguna de la imprescindible claridad polifónica. La segunda es el sensato alejamiento de la blandura y la afectación en que a veces caen otros intérpretes (pienso en la Polacca del Primero, o en los movimientos centrales del Segundo y del Sexto) para ofrecer lecturas siempre decididas, de trazo firme y dichas con un entusiasmo y una luminosidad admirables.

Lo malo, y aquí empezamos con los reparos, es que semejante entusiasmo significa para Gardiner y sus English Baroque Soloist velocidad, lo que con ellos también implica precipitación, rigidez y, por momentos, cierta machaconería, como también escasa atención a los matices expresivos. ¿Cuestión de tempi, pues? No, en absoluto, porque ya en 1986 Reinhard Goebel también se arriesgó en este sentido y los resultados fueron extraordinarios: al día de hoy, la en su momento "revolucionaria" lectura sigue siendo para muchos, entre los que me cuento, la mejor que han recibido estos seis diamantes bachianos.

Hay además en este registro que ahora comento una sonoridad seca, no siempre agradable, y una sensación de distanciamiento en los momentos de mayor vuelo lírico que no son infrecuentes en los modos de hacer del director británico (comparte la dirección con la concertino Kati Debretzeni, pero el estilo es puro Gardiner), características que nadie debería confundir con "contaminaciones románticas": escúchense las versiones del citado Goebel, o las globalmente magníficas de Koopman, o las más que notables de Alessandrini y Pinnock (las últimas al menos: las de Archiv no las conozco), o las recientes de Abbado (enlace), para confirmar que esta música pide un fraseo mucho más flexible, una acentuación más variada y una mayor poesía en la expresión que la que ofrece este grupo de virtuosos que por momentos parecen más interesados en batir records de velocidad que por dejar a la notas respirar como deben.

De todos los conciertos es el Primero el que más me convence, no sólo por la simbiosis entre entusiasmo y virtuosismo que lo preside, sino también por los acertados tintes dramáticos del Adagio. El Segundo no me interesa lo más mínimo: me parece precipitado, machacón y rutinario, por muy increíblemente bien tocado que esté y por mucho fuego que aparente desprender la velocidad. Me ha gustado el Tercero, que ofrece unas improvisaciones muy originales en el segundo movimiento, si bien de nuevo Gardiner parece estar más interesado en deslumbrar que en comunicar.

La del Cuarto me ha parecido una interpretación apresurada y seca, algo pimpante en el Allegro y más bien aséptica en el resto. Me ha aburrido el Quinto, distanciado e indolente, cuando no frívolo. En el Sexto hay que elogiar cómo los English Baroque Soloist han evitado la pesadez que a veces aqueja a la partitura y cómo han obtenido una luminosidad superior a lo habitual sin renunciar a la sonoridad aterciopelada que caracteriza a su instrumentación.

En cualquier caso, recomiendo leer el extenso análisis que se ofrece en la web de la distribuidora Diverdi (enlace) y la más breve reseña presentada en el blog de Pablo J. Vayón (enlace), y de este modo contrastar las muy positivas opiniones allí vertidas con la aquí expuesta.

El nuevo Mesías de The Sixteen: expresividad, por fin

En diciembre de 1996 pude escuchar en el recién inaugurado Teatro Villamarta de Jerez una interpretación de El Mesías a cargo de Harry Christophers y su grupo de toda la vida, The Sixteen: me pareció muy hermosamente sonada pero un tanto plana, por no decir mortecina. En 2001 me zampé catorce interpretaciones del genial oratorio haendeliano para un pequeño estudio discográfico que preparé para la revista Ritmo (enlace): la que los mismos intérpretes habían grabado -en vivo- en diciembre de 1986 para el sello Hyperion quedó en último lugar de la clasificación junto con la de Parrot. Sinceramente, no creo que esta música se puede hacer más rematadamente aburrida. De ahí que no haya tenido yo mucho interés en escuchar la nueva recreación discográfica de la obra que el director británico y sus chicos grabaron en noviembre de 2007 para su propio sello, Coro, hasta que un amigo -Gonzalo Pérez Chamorro- entusiasta haendeliano y muy fiable en sus gustos me ha hecho escuchar el registro.

Pues bien, me quito el sombrero: esta lectura no solo supera con mucho a la registrada veinte años atrás, sino que me parece una de las más interesantes de las realizadas bajo parámetros historicistas. Y eso que sigue habiendo, bajo mi punto de vista, algunos reparos. El mismo arranque de la obra me parece algo lánguido y deslavazado. Hay de vez en cuando ciertas caídas de tensión y alguna que otra rigidez en el fraseo. Incluso en breves momentos -esto parece que es casi ineludible en el mundo de los instrumentos originales- se roza lo pimpante.

Pero hay que reconocer que aquí se nos ofrece una recreación animada, cálida, comunicativa, luminosa y muy matizada, perfecta en el estilo y, lo más importante, llena de esa expresividad que tanto se echaba de menos en sus anteriores acercamientos. Además, se trata de una recreación ajena a los amaneramientos que con algunos intérpretes aqueja a esta música, empezando por Harnoncourt (enlace): The Sixteen no intentan “descubrirnos” nada, sino hacer las cosas lo mejor que pueden.

Y bien que lo consiguen, sobre todo en la segunda y la tercera parte del oratorio, más que en la primera, y no tanto en las arias como en los coros, tratados estos últimos por Christophers con una sinceridad y una fuerza expresiva realmente admirables (¡magnífico al Aleluya!). Aspectos como la afinación, el empaste y la claridad de la parte coral se dan por supuestos. Más sorprendente ha sido la riqueza, imaginación y exquisito gusto del bajo continuo, seguramente el mejor que he escuchado nunca en esta obra.

Las voces solistas, todas ellas de línea marcadamente británica, rayan a menor nivel. Deliciosa, aunque con apurillos en las notas más agudas, la soprano Carolyn Sampson. Catherine Wyn-Rogers (le escuché la obra en Sevilla en 1995 con Menuhin) cumple en lo vocal y se muestra muy voluntariosa en lo expresivo, mostrando toda la unción que la partitura demanda, aunque creo que aún podría profundizar más en el texto. Un privilegio contar con el veterano Mark Padmore (que por cierto cantaba en la referida función del Villamarta, y que ya grabó la obra con Christie y con Colin Davis): aunque su voz empieza a resentirse con la edad, es un placer escuchar esta parte cantada con arrojo y virilidad. Bien a secas Christopher Purves, quien aun necesitando una voz aún más oscura y rotunda, sale más que airoso de la temible aria de la trompeta.

Buen nivel vocal, pues, que no llega a lo excepcional. Si este registro tuviera las voces con que contó Paul McCreesh, sería quizá mi favorito de entre los historicistas. Como no es el caso, sigo prefiriendo -no conozco la de Jacobs- la ya antigua de Pinnock. Claro que de quedarme con una sola grabación, escogería seguramente la última de Sir Colin Davis (enlace). Y ahora que Robert King ha vuelto al trabajo, a ver si se decide a grabar El Mesías.

Año Nuevo 2010 por Prêtre: ¡toma rubato!

Un auténtico disfrute ver cómo con la misma música se pueden hacer cosas radicalmente diferentes pero igualmente admirables. Si Daniel Barenboim hace justo un año (enlace) intentó llevar las partituras de los Strauss a su terreno para ofrecer lecturas altamente sinfónicas, robustas de sonoridad y en todo momento alejadas de lo preciosista y lo decadente, y por tanto con resultados más bien heterodoxos, Georges Prêtre acaba de ofrecer un Concierto de Año Nuevo de absoluta propiedad estilística, lleno de rubatos y portamenti, de un decadentismo de la mejor ley, dotado de una ligereza bien entendida, ensoñado a más no poder, pero al mismo tiempo con toda la chispa, la gracia y la frescura que este universo musical demanda.

No solo eso: el veteranísimo directo francés -ochenta y cinco años, ahí es nada- ha superado su ya espléndida actuación de 2008 y ha ofrecido el que quizá sea el mejor Concierto de Año Nuevo desde los tiempos de Carlos Kleiber. Si en aquella ocasión su creatividad le hizo por momentos sacar los pies del plato, en este 1 de enero de 2010 sus aportaciones han estado siempre presididas por el más absoluto acierto estilístico y por la ausencia de narcisismo: todo sonó en su lugar, y además sonó maravillosamente bien.

A destacar en este sentido la increíble morbidez de su fraseo, la asombrosa plasticidad con que ha tratado las texturas orquestales (de un bellísimo colorido pastel: no puede haber mayor diferencia con Barenboim) y, sobre todo, la naturalidad de sus paradójicamente larguísimos -y por ende arriesgadísimos- rubatos, toda una lección de técnica de batuta solo alcanzable por unos pocos privilegiados. Que yo sepa, hoy día Lorin Maazel y nadie más.

Tendré que degustar a conciencia el DVD para puntualizar algo sobre cada una de las piezas. De momento quisiera destacar la sublime recreación del vals Vino, mujeres y canto y la acertadísima inclusión de Offenbach el el programa: el toque francés que en lo interpretativo imprimió Prêtre resultó de lo más adecuado. Y chapeau por la filmación de las coreografías en el Museo de Bellas Artes de Viena.

Por cierto, deficiente desde el punto de vista técnico la transmisión de Televisión Española: colores saturados, sonido con distorsión y formato 16:9 convertido por todo el morro en 4:3. En la segunda parte me pasé a la ORF2 y la diferencia fue brutal, aunque los breves cortes en el sonido del canal austríaco no fueron precisamente de recibo. Está claro que hay que hacerse con la edición comercial de este concierto sensacional.