Diferencias entre Abbado y Muti

Me pide un lector que le diga cuáles son a mi entender las diferencias entre Claudio Abbado (Milán, 1933) y Riccardo Muti (Nápoles, 1941). Intentaré responder a la interesante cuestión, no sin antes advertir de una importante similitud entre ambos: los dos directores entroncan con la tradición que podríamos denominar “de objetividad toscaniniana”, y por ende se encuentran alejados de la “subjetividad furtwaengleriana”. Aunque mucho ojo, que cuando digo objetividad no me refiero en absoluto a escasez de ideas, a falta de flexibilidad –bueno, en el propio Toscanini sí, no en los maestros de los que hablamos– ni menos aun a inexistencia de compromiso expresivo, sino más bien a la intención de que el “alma” del intérprete, su manera de entender no ya el fenómeno musical sino al ser humano, o el estado de ánimo de un momento concreto, no influyan en absoluto en la idea expresiva que resulte de su labor de batuta, cosa que sí pasaba con Furt entonces y con Barenboim ahora, y que también podía pasar –en otros sentidos distintos– con un Klemperer o un Bernstein, por ejemplo. Pero volvamos a los italianos, empezando por el más joven.

Riccardo Muti tiene un sonido caracterizado por el músculo, la rotundidad y el empaste prieto; la brillantez que obtiene de los metales es grande pero se encuentra equilibrada por la densidad de los sonidos graves, y no solo cuando tiene delante a su querida Orquesta de Filadelfia, verdaderamente la horma de su zapato. Es por otra parte el de Muti un sonido que se amolda con facilidad, ofreciendo terciopelo en Mozart, rusticidad en Verdi y carnosidad en Prokofiev sin perder nunca las características antedichas. El fraseo es vigoroso, enérgico, no particularmente incisivo pero lleno de tensión interna, deudor en buena medida de Toscanini por su interés por el empuje rítmico, pero con mucha más flexibilidad y sentido cantable.

Por otra parte, Muti es un maestro que –sin ser en modo alguno tosco o rutinario– antepone la idea global al detalle; rara vez atiende a un elemento primoroso, ni resulta rebuscado ni pretende hacer exhibición de técnica, sino que va directamente “al mensaje” preocupándose de desarrollar con energía, coherencia y convicción expresiva la estructura global, mostrándose a veces muy vehemente, pero controlando al cien por cien el fraseo y el equilibrio de planos sonoros. Y todo ello adoptando un espíritu digamos que decidido, afirmativo incluso, en el que el vuelo lírico y la poesía íntima se plantean sin espacio para la blandura, la fragilidad o lo meramente contemplativo.

 
En cuanto a Claudio Abbado, estoy de acuerdo con los críticos de Ritmo que llevan tiempo afirmando que existen en realidad dos Abbados: el de los sesenta, setenta y parte de los ochenta, y el que apareció poco antes de obtener a la titularidad de Berlín hasta ahora. El primero de ellos se parecía a Muti –basta con escuchar los Verdis que hacían ambos cuando eran jóvenes–, solo que el milanés adoptaba un sonido con menos músculo y más incisivo, un punto áspero, también más rico en el color y quizá más claro. En cualquier caso, el Abbado de aquellos tiempos se caracterizaba por ser todo fuego, ímpetu y pasión, un poco a la manera de Solti pero aún más creativo, más comprometido y dotado de una técnica aun más portentosa en lo que a concentración, autocontrol, flexibilidad y dominio de la orquesta se refiere. Vamos, un genio de la dirección.

En los ochenta la cosa empezó a cambiar. La sinceridad de los primeros tiempos empezó a verse sustituida por el rebuscamiento, la atención al detalle por encima de la estructura y hasta por lo amanerado. Su sonoridad fue perdiendo ese carácter rústico e incisivo que la caracterizaba para ir volviéndose pulida, suave y delicada, aligerando las texturas y adquiriendo una progresiva ingravidez en la cuerda hasta el punto de resultar con frecuencia relamida. Además, al llegar al podio berlinés se vio poseído por el espíritu de Karajan y, con semejante máquina de hacer música a su servicio, se obsesionó por ofrecer grandes contrastes en la dinámica y por la búsqueda del espectáculo sonoro en sí mismo. La técnica entendida no como un medio, sino como un fin. El objetivo, evidente: deslumbrar al público menos entendido haciendo que todo suene ora suave, bonito y delicado, ora grandioso, brillante y espectacular. La música se quedó por el camino.

Por si fuera poco, en los últimos años el milanés ha realizado una mala digestión de las interpretaciones historicistas y se dedica a ofrecer recreaciones del repertorio clásico anémicas en lo sonoro y fraseadas de modo frívolo, pimpante y hasta repipi, amén de por completo carentes de sentido dramático. Así las cosas, en la actualidad no se pueden concebir dos Mozarts más antitéticos que los de Abbado y Muti: por eso mismo he escogido estos dos vídeos de Youtube, sendos movimientos lentos de sinfonías del genio de Salzburgo en los que los maestros citados demuestran entender de manera muy distinta en qué consisten la delicadeza, la galantería y la elevación poética. Mucho ojo: el Andante de la Haffner por Abbado es de traca. Escúchese a partir del segundo 00:46 para entender lo que decimos.

 

PD. El vídeo de Abbado ha desaparecido del mapa. Lo siento.