Sinfonía nº 7 de Anton Bruckner: discografía comparada

Esta entrada no ha dejado de darme problemas: desapareció completa sin previo aviso, la reconstruí y luego se borraron muchas de las carátulas. En homenaje a Herbert Blomsted, recupero el contenido y añado, además de lo de Abbado en Lucerna, su sensacional recreación de este mismo año con la Filarmónica de Berlín. Aún me quedan por escuchar muchas versiones de interés, claro está.

1. Furtwängler/Filarmónica de Berlín (DG, 1951). Ya desde los primeros compases, dichos con una mezcla singularísima de intensidad y elevación poética, se evidencia que la batuta la empuña alguien muy especial. Efectivamente. Y aunque el fraseo no alcance esa sensualidad y ese carácter agónico que sí conseguirán los más grandes recreadores de la partitura, Furt nos ofrece una recreación de considerable altura, perfecta en el estilo, admirable en el trazo, rebosante de sinceridad, atentísima siempre a los aspectos conflictivos de la música –nada de religiosidad más o menos confiada– y por momentos –escúchese a partir de 16’15’’ del primer movimiento– de una genialidad difícilmente superable. Una lástima que el maestro pinche en Finale: ahí el nerviosismo “del vivo” le puede y no logra encontrar la concentración necesaria para aunar rebeldía y grandeza. Muy digna la toma. (8)

 

2. Walter/Filarmónica de Nueva York (Sony, 1954). Esta toma en vivo de muy aceptable calidad nos trae a un Bruno Walter que no era ya el de sus años europeos, pero tampoco el de su postrera etapa californiana. El interés que a priori tiene el asunto se da de bruces con la realidad. Esta es una mala interpretación. Mal planificada, mal tocada y mal enfocada en lo estilístico. Los dos primeros movimientos están dichos con prisas y muy de pasada. Ni sensualidad ni espiritualidad. Nada de magia poética. Nulo sentido orgánico del fraseo. Transiciones bruscas. Inexistente sonoridad organística. Hay intensidad y carácter rebelde, eso sí. El Scherzo, llevado a velocidad demencial –no así su Trío– es un desastre: si un director actual lo hiciese con semejante precipitación, brocha gorda y vulgaridad, sería abucheado. Lo menos insatisfactorio es el Finale, expuesto con sentido dramático. El público se hincha de aplaudir. ¡Cómo ha cambiado nuestra percepción de las cosas! (5)

 

3. Klemperer/Orquesta Philharmonia (EMI, 1960). No hay, como era de esperar, grandes e imponentes brumas místicas en esta recreación. Tampoco –eso hubiese sido aún más extraño con Herr Klemperer– ese punto de sensualidad un tanto terrenal que esta música necesita. Pero sí que encontramos una arquitectura trazada con el estudiadísimo, lógico e imponente vigor de las mejores catedrales góticas, asombrosa claridad y una pasión “romántica” –aquí no puede hablarse de distanciamiento klemperiano– tan incandescente como controlada: la introducción a la coda del primer tiempo resulta memorable, como también lo es un Scherzo construido a base de enormes paredes de granito. Lento e imponente el Finale. La toma se disfruta mucho tras el reprocesado de 2023. (9)

 

4. Jochum/Filarmónica de Berlín (DG, 1964). Hay que descubrirse aquí ante un Adagio hermosísimo, maravillosamente cantado y de una poesía a flor de piel, aunque el enfoque sea más contemplativo que inquietante y al gran clímax se le pueda pedir una arquitectura más tensa y escarpada. En cualquier caso, admirable. En el tercer movimiento sobresale el trío, un prodigio de cantabilidad, belleza sonora y elocuencia; el resto del Scherzo está bien, aunque cosas mucho más poderosas se han escuchado. Y en los movimientos extremos Jochum hace gala de una enorme fluidez y de un buen dominio de la polifonía, pero frasea con cierta premura, o al menos sin la concentración debida, pasando de largo ante muchas bellezas melódicas que debería estar mejor paladeadas y no ofreciendo esa mezcla de calidez, tensión dramática y grandeza visionaria que esta música necesita. La orquesta de Karajan ofrece una muy buena prestación, pero extrañamente las trompetas resultan un punto chillonas. (8)

 

5. Karajan/Filarmónica de Berlín (EMI, 1970-71). El maestrissimo no podía consentir que su orquesta tuviera grabada la página con Jochum para DG, así que acude a los chicos de EMI y, ayudado por  una soberbia ingeniería que luce espléndida tras el reciente trasvase a alta definición, ofrece una interpretación más perfecta en lo técnico, más organística en la polifonía, más impresionante en la sonoridad; más poderosa en los fortísimos y más mórbida en los pianos; más paladeada en el fraseo y más hermosa en su canto. También más, mucho más insincera, hasta el punto de que no hay quien se la crea. El primer movimiento seduce, pero termina resultando superficial, amén de dulzón en algunos momentos clave. El segundo se queda en lo contemplativo y no conmueve; el clímax, un desmadre. El tercero deslumbraría en su momento a los amantes de la alta fidelidad, pero hoy suena a Obertura 1812 más que a otra cosa. Y el Finale es un desmelene de contrastes dinámicos, de opulencia sin sentido y de espectáculo de cara a la galería. En definitiva, puro Karajan en la cima de la egolatría. (7)

 

6. Karajan/Filarmónica de Berlín (DG, 1975). Adoptando tempi algo más rápidos que en su registro para EMI, el de Salzburgo se muestra bastante menos narcisista y más centrado registrando para la integral DG una interpretación de buen idioma bruckneriano, tan brillante como pulcra en lo sonoro, perfectamente trabajada en la polifonía y fraseada con admirable naturalidad, que solo pierde un tanto por la excesiva tendencia al “trompeterío” propia del maestro, por centrar su interés antes en la superficie sonora que en la expresión –por mucha voluntad que le ponga, la cabra tira al monte– y por pasar un poco de largo ante el sublime tema lírico del segundo movimiento. Muy buen sonido en el Blu-ray Audio, salvo por unos metales en exceso metálicos. (8)

7. Böhm/Filarmónica de Viena (DG, 1976). Al contrario de lo que se pudiera esperar, no estamos aquí ante una interpretación otoñal, pues Böhm adopta una óptica juvenil y muy épica que la que inyecta, eso sí, una maravillosa dosis de vuelo lírico, todo ello manteniendo la sobriedad y sentido arquitectónico que caracterizan a su batuta. Ciertamente podría haber paladeado más las melodías y haber alcanzado mayor profundidad metafísica, pero el resultado es aun así admirable. A ello ayuda la fabulosa prestación de una orquesta que ya había llegado a su mejor momento en lo que a belleza tímbrica se refiere. (9)

 

 

8. Jochum/Staatskapelle de Dresde (EMI, 1976). Un Adagio hermosísimo y aún más paladeado que en su grabación berlinesa (25’54’’ frente a 24’56’’) vuelve a ser el triunfo de un Jochum que se conoce esta música al dedillo, pero que pincha seriamente en un Scherzo sin la fuerza debida y muy lastrado por las insuficiencias de los metales de la formación sajona. El primer movimiento está muy bien, a pesar de algún pasaje un tanto frívolo; la coda es espléndida. Irreprochablemente construido el Finale. (7)

 

9. Solti/Sinfónica de Chicago (DVD Decca y Stage+, 1978). En esta filmación en el Royal Albert Hall Sir Georg no termina de ahondar espiritualmente en el trasfondo de los pentagramas, pero es difícil resistirse ante tamaña ejecución orquestal y, sobre todo, ante la perfectísima planificación horizontal y vertical de toda la arquitectura, siempre dentro de un punto de vista expresivo que consigue un excepcional equilibrio entre la brillantez propia del maestro y la serenidad y concentración más poéticas. Admirables el primer movimiento y, sobre todo, el tercero. (9)

 

10. Barenboim/Sinfónica de Chicago (DG, 1979). La apuesta del de Buenos Aires, como en todo su Bruckner de los setenta, es la de potenciar los aspectos más incandescentes, escarpados y visionarios de la música del autor, consiguiendo en los dos últimos movimientos unos admirables resultados gracias en buena medida a la potencia, solidez y brillantez de los metales de la formación norteamericana. Los dos primeros, sin embargos, necesitarían enriquecer esta perspectiva con una dosis mayor de sensualidad, espiritualidad y hondura, y quizá también con mayor concentración en el fraseo, cosa que justamente el argentino logrará en su recreación de 1992. (8)

11. Chailly/Sinfónica de la Radio de Berlín (Decca, 1984). Todavía el muro estaba en pie. El milanés toma su orquesta, la antigua del sector norteamericano de la ciudad, y se la lleva a la Jesus-Christus-Kirche –toma de amplia dinámica y apreciable sentido espacial– para realizar su primera aproximación a Bruckner. Frasea sin prisas y sin nerviosismo, deja cantar a la música y permite que una luz sensual ilumine los oscuros rincones brucknerianos, pero la bisoñez se deja notar: el discurso horizontal no es unitario y las tensiones no progresan. En el Adagio Chailly extrae mucha belleza, solo belleza, al igual que en el Scherzo solo quiere ver carácter épico. El sabor agridulce y los conflictos dramáticos de esta música se le escapan. Solvente e inspirado el Finale hasta llegar a una coda en la que, de manera desconcertante y más bien pretenciosa, decide ralentizar el tempo. (7)

 

12. Giulini/Filarmónica de Viena (DG, 1986). Ya desde un arranque en el que el maestro italiano despliega su mágico legato y la Filarmónica de Viena la inconfundible sonoridad de sus violonchelos, las cartas quedan todas ellas boca arriba. Esta va a ser, ante todo, una interpretación noble, luminosa y relativamente serena. Afirmativa en el mejor de los sentidos, esto es, en absoluto exenta de carga dramática y de claroscuros, plena de sentido orgánico a la hora de plantear tensiones y distensiones, pero muy alejada del carácter combativo, de las angustias existenciales y de la visceralidad en los clímax con que otros grandes directores abordan la página. El canto más hermoso y dulce –mas no blando ni dulzón– se impone sobre las demás consideraciones en una interpretación puede que algo unilateral, pero ante la que no no puede sino caer de rodillas. La toma es espléndida. (9)

 

13. Giulini/Filarmónica de Viena (Memories Excellence, 1986). Esta toma del 10 de junio es paralela a la grabación sin público de DG, pero las cosas salieron mucho menos bien. Por descontado que el idioma es irreprochable y que el buen gusto, el cálido aliento lírico y el humanismo de Giulini están presentes, pero su inspiración es irregular. Flojea el primer movimiento, rápido y algo nervioso, sin mucha magia sonora, poso reflexivo o espiritualidad. El segundo no está del todo paladeado (22’28’’ frente a los 24’08’’ del disco oficial), pero es muy hermoso y posee un atractivo sabor anhelante, punzante e incluso exaltado. Magnífico el tercero, y muy bien el cuarto, aun sin poseer –lo mismo ocurría en el registro oficial, reconozcámoslo– especial grandeza ni inspiración. (8)

14. Colin Davis/Sinfónica de la Radio Bávara (Orfeo, 1987). Interpretación muy hermosa y apolínea que no termina de sonar a Bruckner ni de profundizar en el sentido de la partitura. Desconcierta así el primer movimiento, con momentos bellísimos pero de sonoridad algo liviana, por momentos en exceso elegante y poco implicado en el drama. El Scherzo, colocado por deseo de Sir Colin en segundo lugar, está muy bien, pese a que la percusión resulta excesiva. El Adagio es hermosísimo, aunque mucho antes lírico y apolíneo que agónico. Bien el Finale, sin terminar de ofrecer toda la garra dramática, la tensión y el carácter visionario deseables. (8)

15. Solti/Sinfónica de Chicago (Decca, 1988). De entrada, vuelven a impresionar la calidad de la ejecución y planificación, absolutamente portentosas. La batuta se muestra siempre tensa, intensa y sincera, muy brillante al tiempo ajena a la retórica superficial y al efectismo. Otra cosa es que se eche de menos una versión más personal, más lírica y emotiva, en los dos primeros movimientos. El tercero es absolutamente genial, poderosísimo y apabullante pero en absoluto descontrolado. El Finale, no del todo visionario, resulta prodigioso por su fuerza, brillantez y sólida construcción. Toma de sonido admirable. (9)

16. Karajan/Filarmónica de Viena (DG, 1989). El de Salzburgo vuelve a la carga, con las mismas virtudes y menos defectos. Venga, vamos a reconocerlo: la sonoridad es tan increíblemente bella, la ejecución tan prodigiosa, la construcción arquitectónica tan impresionante, el fraseo tan elocuente y el enfoque (¡qué diferencia con respecto a las ocasiones anteriores!) tan ajeno tanto a la retórica como al efectismo, que se perdona por completo la relativa falta de profundidad y de sentido visionario. (9)

17. Celibidache/Filarmónica de Múnich (Sony DVD y SACD, 1990). En su primera grabación oficial de la partitura, Celi ya demuestra conocer a la perfección todos sus secretos ofreciendo una sonoridad perfecta para el autor, una planificación perfecta de las tensiones a pesar de la lentitud –genial la manera en la que va construyendo la coda del primer movimiento–, una portentosa clarificación de la polifonía, una concentración fuera de serie y, sobre todo, un fraseo altamente cantable que sabe ser al mismo tiempo sensual, reflexivo, tierno y espiritual, sin que falte una enorme grandeza visionaria en los clímax. Eso sí, con tempi aun más lentos, en sus dos registros posteriores logrará paladear aún más las melodías y conseguir una más emotiva magia sonora, aunque en todos los casos los dos primeros movimientos, sublimes, convencerán más que un tercero algo falto de nervio y un cuarto no del todo dramático. Imagen 16:9 con mejora anamórfica, pero discreta calidad en lo que a definición se refiere. El SACD suena muy bien, aunque no tanto como las otras sinfonías de la misma caja. (10)

 

18. Sinopoli/Staatskapelle de Dresde (DG, 1991). He aquí una idiomática, encendida y brillante recreación, más impulsiva y espontánea que arquitectónicamente preparada, dotada asimismo de una amplia cantabilidad italiana y de un buen sentido de las atmósferas. Solo se resiente un tanto por la tendencia de la batuta a las explosiones sonoras y, para qué ocultarlo, por alguna chapuza de la ejecución del primer movimiento. (8)

 

19. Barenboim/Filarmónica de Berlín (Teldec, 1992). Barenboim redondea su visión de la Séptima y ofrece no solo una interpretación mucho mejor que la de 1989, sino seguramente la cumbre de todo su Bruckner grabado. Y es que en este ciclo con la Berliner Philharmoniker supo equilibrar el carácter dramático y escarpado con el que interpretaba al compositor en Chicago con ese componente esencial en este universo expresivo que es el del equilibrio, la reflexión y –también– la religiosidad. Posiblemente panteísta, humanista si se quiere, muy alejada del fervor más o menos dulce y confiado, pero religiosidad al fin y al cabo. Todo ello queda bien de manifiesto en un primer movimiento más concentrado, más lógico y más natural en su fraseo, ortodoxo en lo que al concepto se refiere, y más aun en un Adagio que pese a ser uno de los más lentos de la discografía –Celibidache aparte– en absoluto resulta moroso o narcisista, tan perfecta es la construcción de sus tensiones y tan reveladora la mezcla de espiritualidad, anhelo y vuelo poético que destila la batuta del maestro. El Scherzo vuelve a ser un prodigio: puro fuego, nada de exhibicionismo. Pero la gran aportación del de Buenos Aires está en el Finale, minimizando el carácter épico con el que habitualmente se le recrea para acentuar el terror –las sonoridades que extrae de la orquesta son catedralicias, imponentes–, el carácter opresivo y la rebeldía todo lo posible, cuidándose muchísimo de no caer en el nerviosismo, y planificando al milímetro hasta llegar a una coda visionaria, incandescente a más no poder y bastante más ambigua que afirmativa. La toma, espléndida, se realizó sin público en la Konzerthaus de Berlín en febrero de 1992. (10)

20. Abbado/Filarmónica de Viena (DG, 1992). Tras Böhm, Giulini y Karajan, Abbado también quería utilizar a la Wiener Philharmoniker para dejarnos su visión de la obra. No aporta nada con respecto a sus predecesores: puro sonido sin emoción. El fraseo es hermoso, flexible y natural, pero en absoluto se percibe esa mezcla de sensualidad, carácter agónico y elevación espiritual que esta música demanda. Ni siquiera suena muy a Bruckner. Antes al contrario, en algún momento se percibe cierta tendencia hacia una inconveniente ligereza. Tampoco la planificación resulta especialmente depurada, e incluso el Scherzo llega a ser un tanto vulgar. (7)

 

21. Celibidache/Filarmónica de Berlín (Blu-ray y YouTube, 1992). En su "triunfal retorno" –así se definió el evento– al podio de la Berliner Philharmoniker, el rumano ofrece una visión ante todo equilibrada y meditativa, controladísima, de arquitectura perfecta en la que, a pesar de la extraordinaria lentitud de los tempi, la tensión está perfectamente administrada. Todo está recreado y desgranado con tanta calma como detalle sin perder de vista la estructura global. No hay lugar para los arrebatos ni para visiones al borde del abismo, pero no por ello deja de haber una intensísima emoción espiritual que incluye su buena dosis de potencia dramática. En cualquier caso, teniendo en cuenta semejante enfoque, se entiende que los dos primeros movimientos sean por completo sublimes mientras que los dos últimos, aun espléndidos y en perfecta coherencia con el resto, no tengan la carga de electricidad y fuerza visionaria de otras recreaciones. La orquesta, frente a su habitual de Múnich, ofrece una seguridad, potencia y brillantez asombrosas, aunque Celibidache nunca se recrea en ellas. Bellísima su sonoridad densa y oscura, al igual que resulta admirable la claridad polifónica. Una pena que la gama dinámica de la toma no sea mayor, porque estamos ante un verdadero hito de la discografía bruckneriana. Por cierto, mejor el YouTube que la desastrosa edición en BR. (10)

22. Celibidache/Filarmónica de Múnich (EMI, 1994). Obviamente, esta es una interpretación parecida a la suya en Berlín dos años anterior. Se nota, desde luego, que la orquesta es inferior. Los tempi no son ahora tan lentísimos (79’10’’ frente a 86’15’’). Quizá por eso no se consiga la misma increíble elevación poética del primer movimiento, pero a cambio los clímax del mismo son más escarpados y rebeldes. Quizá también los dos últimos movimientos son aun más convincentes, aunque la orquesta manifieste ahí sus limitaciones. A destacar el hallazgo lírico que supone el trío del Scherzo y la monumental construcción polifónica del final. (10)

 

23. Harnoncourt/Filarmónica de Viena (Teldec, 1999). “No puedo distinguir mi interpretación de la interpretación tradicional”, decía Herr Nikolaus en una entrevista de 1994 recogida en el libro La música es más que las palabras. Y ciertamente parece ser así cuando arranca esta Séptima registrada en vivo en la Musikverein vienesa. Sensatez, equilibrio y cierta musicalidad parecen que van a presidir esta interpretación que, poco a poco, va evidenciando una sonoridad excesivamente ligera que borra de un plumazo el carácter organístico de la música de Bruckner, así como un considerable distanciamiento expresivo. Pero en el Adagio la frivolidad hace acto de presencia, y uno se pregunta si el cacareado respeto a las indicaciones metronómicas de la partitura al que Harnoncourt se refiere en el mismo texto es tal, o más bien deseo de llamar la atención. Por lo demás, su empeño en diferenciar secciones aporta claridad a la hora de comprender la estructura de la obra, pero a cambio se pierde continuidad en el discurso. En el Scherzo aparece el Harnoncourt “de toda la vida”: sequedad, agresividad y muchísima rigidez. Puro mecanicismo y espectáculo de decibelios de cara a la galería. En el Finale hay exceso de nerviosismo, y la única grandeza que hace acto de presencia es la que pueden aportar los plateados metales vieneses. (5)

 

24. Wand/Sinfónica de la NDR (DVD TDK y YouTube, 1999). La fluidez, la naturalidad y el estilo están garantizados, pero Wand adopta una postura acomodaticia y domestica de manera considerable la partitura, restando rebeldía a los clímax y eludiendo los aspectos más visionarios. La orquesta se queda corta, sobre todo en los metales, lo que acentúa más esta circunstancia. El resultado es tan correcto como aburrido. El DVD recorta un poco la gama dinámica. (6)

 

25. Ozawa/Orquesta Saito Kinen (Philips, 2003). Pasado un arranque con cierta tendencia a la blandura, el maestro oriental se centra ofrece una recreación muy fluida y natural, expuesta con la elevada depuración esperable en su batuta, en la que la búsqueda de la máxima belleza sonora a través de un enfoque eminentemente lírico termina dejando de lado los aspectos más inquietantes de esta música. No satisfará del todo a los brucknerianos de pura cepa, pero sí que seducirá de manera considerable a una gran cantidad de melómanos no muy proclives a soportar grandes tensiones. De manera consecuente, el Scherzo no resulta muy demoníaco, mientras que el Finale resulta más vistoso que lleno de grandeza. La orquesta se comporta bien, aun distando de ofrecer la pátina de las grandes formaciones europeas acostumbradas a este repertorio. (8)

26. Abbado/Orquesta del Festival de Lucerna (Stage+, 2005). Trece años separan este registro del que el milanés realizó con los Wiener Philharmoniker. La diferencia es grande, justo la que hay entre sus mediocres años de titularidad berlinesa, pura mezcla de blandura y aburrimiento, y la relativa recuperación en Lucerna. Cierto es que sintonizar con Bruckner, pero aquí la sonoridad es más adecuada y el compromiso expresivo muy superior. Hay momentos muy intensos, amén de soberanamente cantados, a lo largo de un primer movimiento que no logra del todo la adecuada unidad de trazo. No hay reparos para el Adagio: cálido, natural, comunicativo y de una belleza turbadora, aun lejos del misticismo poético de los más grandes recreadores de la página. Vistoso el Scherzo, también un poco rígido y más nervioso de la cuenta. Algo aparatoso y muy volcado ha lo externo el Finale, en cualquier caso expuesto con la claridad polifónica, el ímpetu y la brillantez esperables en una batuta de semejante calibre. La orquesta, repleta de caras célebres, se implica al cien por cien. (8)

27. Thielemann/Filarmónica de Múnich (DVD CMajor, 2006). El controvertido maestro, sin duda buen conocedor del idioma bruckneriano, se toma las cosas con calma para optar por la delectación melódica, recrearse en la belleza sonora y adoptar una inequívoca pose de transcendencia, pero lo cierto es que tampoco logra dotar de continuidad al primer movimiento, que bajo su batuta resulta un tanto plúmbeo. La parsimonia vuelve a hacer su aparición en un Adagio muy paladeado pero más contemplativo que doliente, e incluso por momentos un punto dulzón; el clímax apabulla sin terminar de resultar visionario. Magnífico el Scherzo, viril y decidido, en el que Thielemann demuestra manejar las masas sonoras con apreciable plasticidad. Grandioso e imponente un Finale en el que el maestro no logra ocultar su búsqueda de la opulencia, resultando a la postre un tanto hinchado y culminando en una coda de puro desmelene decibélico admirablemente recogido por la toma. (7)

28. Nézet-Séguin/Metropolitain du Grand Montréal (Atma, 2006). Lectura de pulso irregular, muy deslavazada, cuya mayor virtud es la enorme cantabilidad de la batuta del joven Yannick, que frasea con efusividad y hondo sentido humanista, y su principal defecto la incapacidad para acumular tensiones en grandes estructuras. El primer movimiento resulta en este sentido muy flojo, con frases hermosas aquí y allá pero en conjunto aburrido, salvo un final lleno de grandeza. Notable el Andante, que culmina en un clímax muy logrado. Bien a secas el Scherzo, a cuyo trío se le podría sacar más partido. Mal el último movimiento, nervioso y muy pimpante, culminando en una coda en exceso premiosa y sin la amplitud necesaria. La orquesta se queda corta y parece menos grande de la cuenta. (7)

 

29. Welser-Möst/Orquesta Cleveland (DVD Arthaus, 2008). El maestro vienés adopta un enfoque antes lírico que épico, obteniendo una sonoridad muy adecuada de la orquesta y desplegando un fraseo muy bruckneriano, si bien en más de un momento resulta algo tímido, en exceso delicado. Muy bien el primer movimiento, aunque su final es más apabullante que visionario. Solo correcto el segundo, prosaico, superficial y algo falto de concentración, concluyendo sin magia alguna. El tercero empieza sin mucha fuerza, atraviesa un trio muy rutinario y después mejora bastante. Bien el Finale, que no obstante debería estar más matizado en lo expresivo y cuya coda resulta precipitada, muy poco grandiosa y nada visionaria. Gran trabajo de la orquesta, con unos chelos de hermosísima sonoridad. (7)

 

30. Barenboim/Staatskapelle de Berlín (Blu-ray Accentus y CD DG, 2010). Ante todo llama la atención la premura de los tempi, pues Barenboim se despacha la obra en menos de 66 minutos, cuando su versión de Chicago alcanzaba los 66’36’’ y la de Berlín los 70’41’’. En este sentido se nota mucho que el adagio de Teldec le duraba 24’54’’ y este tan solo 21’34’’, siendo intensísimo pero no estando ni mucho menos tan paladeado. Globalmente, la interpretación ha perdido algo de profundidad, de hondura filosófica, ganando en agilidad, naturalidad y lógica constructiva. Se trata, en cualquier caso, de una lectura perfecta de idioma, incandescente a más no poder ya desde los primeros compases, por momentos visionaria y ajena a cualquier retórica. Soberbia la orquesta, de sonido empastado y profundo, con una cuerda de gran flexibilidad y unas trompas admirables. Como siempre, la polifonía es muy organística y está plenamente atendida. El Blu-ray ofrece una impresionante calidad de imagen y sonido, y por ello es muy preferible a la edición paralela realizada en DG en una caja con todas las sinfonías a cargo de los mismos intérpretes. Por cierto, la Séptima editada en solitario en compacto por el mismo sello no es exactamente la misma: se grabó en el mismo mes que esta, pero las duraciones dejan claro que es una toma por completo distinta. (9)

 

31. Rattle/Filarmónica de Berlín (Digital Concert Hall, 2013). No puede decirse, claro está, que esta no sea una buena lectura. No puede ser de otra forma con la orquesta más adecuada en todo el planeta para este repertorio y con una batuta que no solo logra –asunto no fácil– planificar los dilatadísimos arcos de tensión, sino que además se mantiene muy alejado tanto de la pesadez como de los excesos en los que se puede caer en esta música. Por desgracia, y como era de prever, hay una falta de sintonía evidente entre Sir Simon y el mundo de Bruckner: aunque los decisivos aspectos épicos están bien atendidos, se echa de menos esa particular mezcla de sensualidad, reflexión filosófica (no necesariamente “espiritual”) y carácter visionario. Y sobre todo falta grandeza. Rattle resulta un tanto frío y distanciado, incluso soso. No solo eso: se evidencia cierta tendencia a hacer sonar los primeros violines con una ingravidez inconveniente. (7)

 

32. Nelsons/Gewandhaus de Leipzig (DG y Stage+, 2018). Sonoridad hermosísima y plenamente bruckneriana, cantabilidad maravillosa, construcción de tensiones y distensiones plena de naturalidad…. Pero todo ello dentro de un concepto místico en el peor de los sentidos, es decir, de una elevación espiritual en la solo hay espacio para la contemplación más serena, apolínea y equilibrada, no así para la duda, para la inquietud. Las peores sospechas se confirmaron a continuación en un Adagio de belleza suprema –más de la cuenta: la sonoridad de la cuerda resulta en exceso pulida– y que se escucha sin emoción, así hasta llegar a un clímax sin rastro de espiritualidad agónica ni de carácter visionario. Alguien me dirá que el concepto de Celibidache, a todas luces el mayor recreador de esta partitura, era igualmente místico. Pues sí, pero con el rumano se apreciaban una desazón interna y una fuerza dramática, bien soterrada pero en todo momento presente, que aquí no hace acto de presencia. Nelsons no indaga en las notas: se limita a transfigurar los pentagramas creyéndose a pies juntillas eso del “buen Dios”. Más que correcto el Scherzo, pero las puertas del infierno no se intuyen ni de lejos; el trío es pura rutina. El Finale me pareció correctísimo, pero a estas alturas un servidor ya estaba deseando que terminara la audición. Ingeniería mejorable en el CD, no sé en la filmación. (7)

33. Haitink/Filarmónica de Berlín (Digital Concert Hall, 2019). A sus noventa años, Bernard Haitink se despide de los Berliner Philharmoniker con una Séptima de absoluta perfección dentro de su enfoque marcadamente apolíneo. Nadie puede esperar aquí grandes claroscuros dramáticos, tensiones extremas, sonoridades escarpadas ni éxtasis visionarios. Es la suya una lectura clásica, por completo equilibrada en la expresión, concentradísima en el fraseo, materializada con una belleza sonora que, siendo difícilmente superable, no ofrece la menor concesión al narcicismo ni a la opulencia, revestida de un sereno carácter contemplativo y dicha desde más allá del bien y del mal. Es decir, justo desde el lugar en el que se sitúa quien ya lo ha dicho y vivido todo en el mundo musical. Habrá quien eche de menos mayor emotividad e incandescencia –el sublime tema lírico del Adagio podría estar más paladeado–, pero no por ello se puede calificar a esta interpretación de superficial. Lo que tenemos es aquí es Bruckner en su más ortodoxa sonoridad y más incuestionable esencia. La orquesta está formidable, si bien el maestro holandés no solo no subraya su personalidad –estamos en el polo opuesto a un Karajan o un Barenboim–, sino que opta hacerla sonar con ligereza bien entendida –nada que ver con las ingravideces de un Abbado–, diríase que camerística, aun sin renunciar al componente organístico, “catedralicio” de esta música: la cuerda grave y los metales de la formación berlinesa, en conjunción con una batuta que levanta el edificio de manera modélica, convierten al cuarto movimiento en toda una experiencia. (9)

34. Haitink/Filarmónica de la Radio de Holanda (Challenge, 2019). Tan solo un mes posterior a su filmación berlinesa, este registro en vivo –sonido en SACD no todo lo extraordinario que debería haber sido– deja bien claro hasta qué punto es determinante una orquesta en el resultado final. El enfoque es el mismo, lógicamente, y la inspiración de la batuta alcanza de nuevo una gran altura, pero ni la ejecución deslumbra con la depuración extrema de entonces, ni la sonoridad ofrece las resonancias organísticas y catedralicias de Berlín. Tampoco parece que la formación holandesa, aun siendo más que meritoria, toque con semejante implicación. En cualquier caso, notabilísima lectura en la que la naturalidad en el fraseo y el equilibrio expresivo se ponen por delante de cualquier otra consideración. Lo más logrado, el Finale. (8)

35. Blomstedt/Filarmónica de Berlín (Digital Concert Hall, 2026). Se puede decir que esta es una interpretación “de anciano director” por los 98 tacos, cerca ya de 99, que contaba el maestro noruego cuando se realizó la filmación. También por la lentitud de los tempi, y quizá por esa mezcla de nobleza y concentración que desprende el fraseo. Sin embargo, por concepto no se la puede calificar como tal: esta es una lectura adusta, no muy cálida, atenta al conflicto y de una considerable fuerza dramática, aunque sin que la arquitectura deje de resultar severa y el trazo no se resienta lo más mínimo. Una especie de mezcla entre Otto Klemperer y Karl Böhm, para entendernos. ¿Y la espiritualidad? ¿Y la belleza? Ahí están, pero sin convertirse en objetivos en sí mismos. En el fondo, se trata de una visión abstracta, que exige no poco al oyente y que, quizá como característica más singular, subraya los aspectos organísticos de la partitura como pocas interpretaciones lo han hecho. En este sentido, imparable unos Berliner Philharmoniker que en cada una de sus intervenciones solistas o por grupos ofrece no solo la depuración sonora en ellos esperables, sino también una acertadísima mezcla de incisividad y tensión. La toma es espléndida, aunque desdichadamente el Atmos suena desequilibrado: he preferido escuchar el estéreo en alta resolución. (9)

La Quinta de Mahler de la polémica: Orozco-Estrada sustituye a Iván Fischer

Acaba de terminar la retransmisión en directo, con imagen 4K y sonido Atmos “auténtico” que incluye toses por detrás, realizada por la Filarmónica de Berlín de la Quinta de Mahler de la polémica. Ustedes seguramente ya conocen la historia. Iván Fischer quería colocar a los violonchelos al fondo en el centro, la orquesta se negó y, como el maestro húngaro se negó a renunciar a su decisión, ambas partes decidieron “de muto acuerdo” romper relaciones de aquí en adelante. Algunos lugares de las redes han ardido dándole la razón a uno o a la otra. Mi opinión es que la orquesta ofrecía argumentos sonoros de peso que tienen que ver con la acústica singular de la Philharmonia, pero que a pesar de ello tenían que haber asumido la decisión de la batuta: si se contrata a un maestro es con todas sus consecuencias. Alguien, con mucha razón, ha argüido que la propia orquesta se ha puesto en entredicho con una decisión tan singular como la de realizar una gira con Vikingur Ólafsson, y un servidor añadiría que todavía peor es haber escogido a Kirill Petrenko como titular. Lo siento, pero después de lo ocurrido me resulta difícil respetar a los Berliner. Su talento musical es inmenso, pero algunos de sus gustos dejan bastante que desear y su divismo me parece intolerable.

El sustituto ha sido Andrés Orozco-Estrada. Sólo había actuado en una ocasión con la orquesta, hace ya años. Los músicos no han parecido incómodos con él, pero tampoco se puede decir que a la hora de los aplausos le hayan mostrado especial simpatía. Él sí que se mostraba radiante. ¿Mi opinión sobre los resultados? Me ha parecido una formidabilísima Quinta mahleriana. Por supuesto, lo del maestro colombiano no ha tenido nada que ver con la adustez, la tensión interna y el carácter sombrío de un Barbirolli, un Barenboim o un Haitink con esta misma orquesta, por citar maestros situados en un claro polo interpretativo. Tampoco hay relación alguna con el carácter dionisíaco, expansivo, contrastado y un punto decadente que marca el polo opuesto, obviamente el de Leonard Bernstein. Y muchísimo menos todavía con otra manera de hacer la obra, esta vez una que a mí me parece detestable: la de Abbado precisamente con los Berliner, un cúmulo de ingravideces, blanduras y amaneramientos presididos por la insinceridad y el deseo de llegar por la vía fácil.

Entonces, ¿cómo ha sido esta interpretación? Sencillamente fresca, cálida y natural, entendiendo esta última cualidad no solo como plena lógica en el desarrollo del discurso, sino también como absoluta ausencia de afectación. Ni rastro de esos tics que, tanto en manos de gigantes de la interpretación como de verdaderos mediocres, han llegado a producir una especie de empacho mahleriano. Ni tirones en los tempi, ni empalagosos portamentos ni efectistas contrastes sonoros, pero tampoco distanciamiento, neutralidad o sosería. Todo ha sonado cercano, comunicativo y absolutamente musical, sin por ello renunciar a los contradictorios componentes expresivos de la música mahleriana. Cada nota parecía sonar de la única forma en que podía hacerlo, con cercanía, elegancia, equilibrio bien entendido y su correspondiente pátina humanística. Para que el discófilo me entienda, ha sido una mezcla del Kubelik más inspirado y de lo que hubiera hecho Giulini con esta partitura si la hubiese dirigido.

A destacar particularmente lo que este señor ha conseguido en el primer movimiento: a muchos directores le queda frío y un tanto ingrávido, quizá por empeñarse en diferenciarlo de ese segundo que ha de sonar “con gran vehemencia”. Creo que Orozco-Estrada entiende mejor el díptico. Magnífico el Scherzo, en el que ha procurado no dejarse llevar por trivialidades, pero tampoco ha necesitado recrearse en sus aspectos expresionistas. Lucimiento absoluto de la orquesta, por descontado, sobre todo de un inmenso Stefan Dohr. El Adagietto sonó como tal, no cono Adagio: noble, hermoso y emotivo en su punto justo. Finale, más cálido que frenético. Me gusta así, y por eso me disgustó un poco que el maestro acelerase en los compases finales. ¿Faltó algo? Un poco más de personalidad, también de matices, o un deseo de revelar las cosas más geniales que la música alberga. Da igual: el maestro no quiso hacerlo porque no hacía falta. Lo que sí hace falta es que mucha más gente haga Mahler así. Ni que decir tiene que me ha interesado esto mucho más que la Séptima por Mäkëla que comenté esta mañana.

Ah, en la primera parte los Berliner ofrecieron la Sinfonía concertante de Haydn con cuatro de sus primeros atriles: Noah Bendix-Balgley, Bruno Delepelaire, Jonathan Kelly y Stefan Schweigert. Particularmente maravilloso el violín del primero. Orozco-Estrada se alejó por completo de toda tentativa historicista y ofreció un Haydn de los de toda la vida, muy hermoso, comunicativo y cercano, sin pesadez alguna pero venturosamente alejado de ligerezas mal entendidas. Gozada total.

Y ahora, permítanme que me retire un cierto tiempo del blog. Se me ha acumulado el trabajo en las cosas del instituto.

Séptima de Mahler: lo de Mäkelä no cuela

Me hubiera gustado ir a Ámsterdam el pasado puente: Sinfonía nº 7 de Gustav Mahler con Klaus Mäkelä y la Orquesta del Concertgebouw, más otros dos conciertos con muy buena pinta. El elevadísimo presupuesto me hizo desistir, así que terminé viajando por Varese, Lugano, Como, Milán y Pavía. A la vuelta me encuentro con que Antonio Moral pone por las nubes los tres eventos. Particularmente llamativo el titular “Mäkelä, el gran mahleriano de hoy”. ¡Vaya, hombre!, fue lo que pensé de inmediato. Pero luego reparé en que la expectación generada –en mí y en todos– por el joven maestro finlandés, cuyo talento me parece incuestionable, se debe en buena medida a una intensísima campaña de promoción internacional en la que el señor Moral ha sido y es parte activa: no se olvide que en su faceta de gestor fue quien vendió de maravilla a este chico cuando le tocó ser director del Festival de Granada. No, en absoluto es crítica independiente la de quien fue fundador de Scherzo. Ha estado en el meollo de muchísimas contrataciones, ha ejercido un poder considerable y aún se mueve en los círculos en los que se corta el bacalao. Por otra parte, el referido titular no solo carece de suficiente fundamento, porque a Mäkelä aún no se le han conocido grandísimos testimonios fonográficos en este repertorio, sino que además resulta poco respetuoso con todo un Andris Nelsons, quien acaba de firmar un ciclo sinfónico colosal con la Filarmónica de Viena. Quizá, como intenté explicar aquí mismo, el mejor de los hasta ahora llevados al disco.

 

Por suerte, hay grabación radiofónica de la Séptima mahleriana de marras, en concreto la del domingo 1 de noviembre. La encontrarán justo aquí. La reseña de Moral corresponde al 30 de noviembre, pero supongo que habrán sido interpretaciones muy parejas. La he escuchado esta mañana y, como me estaba temiendo, ha distado de entusiasmarme. Para quienes gustan de ponerle puntuaciones al asunto: un 7 sobre 10. Como en este blog hay una comparativa discográfica con sus correspondientes puntitos, la persona que lee se dará cuenta de que la mayoría de las grabaciones no me convencen. En parte la culpa es de Mahler: soy de los que piensan que primer y tercer movimiento son geniales, que el segundo está bien, que el cuarto roza la cursilería y que el quinto es un ladrillo que no hay quien se lo crea. Pero no es menos cierto que el maestro de turno puede coger el toro por los cuernos, potenciar los aspectos más interesantes de la música y no sucumbir a las tentaciones diversas en aquellos más débiles. Puede incluso reinterpretarlas: ¿recuerdan a Klemperer?

Al grano: la versión de Mäkelä, pese a un intermedio de abierto expresionismo, es ante todo épica, luminosa y triunfalista. A quien eso le parezca bien, la versión ha de entusiasmarle. Mis gustos van por un camino distinto, cuando no divergente. En el primer movimiento, de soberbio trazo global por parte del maestro, no se aprecian el carácter opresivo, la densidad y la rabia que con otros directores conducen hasta un clímax de verdadero paroxismo nihilista. Ojo, que tampoco es que su batuta suavice la música: las aristas están ahí y los conflictos se encuentran perfectamente expuestos sin que la partitura deje de fluir con plena lógica. El problema es de concepto. Justo como ocurre con la primera nachtmusik, en la que Mäkelä ofrece detalles burlescos en las maderas abiertamente geniales sin que por ello, lástima, la página deje de sonar banal y algo saltarina.

Como dije, expresionismo puro en el Scherzo. Pero no gótico, sino con rapidez, muchas aristas y bastante sequedad: me recuerda a lo que en su momento hizo Barenboim, y me gusta muchísimo. No a así la segunda nachtmusik. Muy hermosa, serena y encantadora. Poquísimo de inquietante o irónica, y no todo lo sensual que debería sonar. El Finale es una monumental verbena de júbilo y optimismo. Vale, otras batutas han armado mucho más escándalo, pero esta música no me interesa lo más mínimo interpretada así.

La orquesta, sensacional. Hay dos o tres roces que no se aprecian, por ejemplo, en una Filarmónica de Berlín cuando esta actúa en directo, pero no considero que los holandeses sean peores. De hecho, ofrecen mayor flexibilidad sonora que sus colegas. Inmensas, absolutamente inmensas las maderas, que Mäkelä trata con la misma genialidad técnica que un Otto Klemperer. A todos los demás directores, el finlandés los supera en este aspecto. ¿Suficiente? Creo que ha quedado claro en no. Siempre en mi opinión, faltaría más.

Dos noticias: Blomstedt y Celibidache

Llego tarde, porque no he encontrado un minuto libre: ha fallecido Herbert Blomstedt. El próximo mes de julio habría cumplido los cien. Hay razones para sentir lástima, pero a la postre es una verdadera alegría llegar a los noventa y nueve no solo en buena forma física, sino también en absoluta plenitud mental. Justo la que le ha permitido seguir dirigiendo hasta hace nada compositores tan sencillos como Schubert o Bruckner.

No conozco del todo bien su legado fonográfico, pero me parece claro que el maestro noruego, de manera independiente a su procedencia, es un perfecto ejemplo de kapellmeister, etiqueta que en su caso no posee ninguna connotación peyorativa: pura tradición centroeuropea servida antes con artesanía de perfecta factura que con genialidad, pero siempre partiendo de la sensatez, el buen gusto y la ausencia de afectación. Sonoridad noble, fraseo cálido, intensidad moderada, equilibrio expresivo y objetividad entendida como respeto, que no como falta de compromiso, son sus señas de identidad. Su presunta "tendencia norteamericana" a la brillantez, sobre la cual he leído algo por ahí, no la encuentro por ningún lado, ni en sus grabaciones europeas ni en las realizadas en San Francisco.

¿Repertorio? El de los pesos pesados de la tradición, desde Mozart hasta Richard Strauss, añadiendo un marcado y comprensible interés por la música nórdica. Creo que hay unanimidad a la hora de reconocer que ha sido el grandísimo director de Nielsen, aunque me parece que también pasará a la historia por lo que hizo con Hindemith. Las filmaciones que en su más avanzada ancianidad nos ha legado con música de Bruckner son también una joya, aunque si me tuviese que quedar con un solo testimonio escogería la Quinta de Nielsen con la Filarmónica de Berlín disponible en la Digital Concert Hall. Curioso: salvando Leonora y alguna cosa más que debe de haber por ahí, la ausencia de ópera en su catálogo fonográfico es llamativa.

Otro al que la lírica le gustaba poco era Sergiu Celibidache. De él nos llega una auténtica sorpresa, al menos para mí: no sabía que tal cosa estuviese preparada. Deutsche Grammophon lanza hoy viernes tres SACD que incluyen Cuarta de Schumann, Cuadros de Mussorgsky/Ravel, Séptima de Dvorák, Aprendiz de brujo de Dukas, Matías el pintor y Metamorfosis de Hindemith. Todo ello con la Filarmónica de Múnich en el Berliner Festwoche entre 1986 y 1987, salvando el Matías, que corresponde a 1981. Fueron sus mejores años: estilo de plena madurez e inspiración a la máxima altura, pero sin esos excesos de los noventa que hacían que sus interpretaciones, salvo las de un Bruckner siempre inmenso, se movieran entre lo genial y lo cargante. Sí, aquí estoy de acuerdo con Hurwitz: su caja con música coral es una plasta.

La cosa cuesta 68 euros en la web del sello amarillo, si es que se quieren los SACD en formato físico, pero venturosamente estas grabaciones hasta ahora inéditas ya se encuentran disponible en Qobuz en alta resolución. Pues eso.

 

Sinfonía nº 9, del Nuevo Mundo, de Dvorák: discografía comparada

ACTUALIZACIÓN - 3.XI.2026

Esta entrada se publicó por primera vez el 7 de julio de 2024. Añado las dos importantísimas interpretaciones de Lahav Shani y presento un nuevo comentario sobre la de Giulini con la Philharmonia.

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Los intérpretes tienen que realizarse aquí preguntas serias. ¿Carácter épico o dramático? ¿Rusticidad sonora u opulencia sinfónica? ¿Evocaciones paisajísticas y folclóricas o drama interior? Lo cierto es que la Sinfonía nº 9, "del Nuevo Mundo" de Antonin Dvórak es una de las más justamente célebres. Vale, lo reconozco: a mí me gustan todavía más Séptima y Octava. Sé que faltan muchas grabaciones: Toscanini, Stokowski, Barbirolli, Neumann, Prêtre, las dos primeras de Kubelik, Davis en Ámsterdam, Bernstein en Israel, Previn en Los Ángeles, Mackerras en Praga... No se me sulfuren, por favor, que la lista es infinita. Tampoco hagan mucho caso de las puntuaciones del uno al diez: no son más que números.

 

1. Erich Kleiber/Staatskapelle de Berlín (DG, 1929). El valor histórico de este testimonio resulta incuestionable. Estamos a treinta y seis años del estreno de la obra, y tan solo a veinticinco del fallecimiento del compositor. La orquesta, de poderosísima cuerda grave, guardas las esencias de la más venerable tradición prusiana. Y el director, a sus treinta y ocho años, tenía ya un enorme prestigio. Pero la versión es rara. Muy rara. Arranca con enorme lentitud, la cuerda frasea con un carácter amenazante exagerado y, como era de esperar, al llegar el Allegro Molto el maestro se echa a correr. A partir de ahí, encontramos todas las características del padre de Carlos: ataques incisivos, nervio en el fraseo, incisividad en la tímbrica y muchísimos juegos con la agógica. Con frecuencia innecesarios, a decir verdad. El resultado es una interpretación repleta de intuiciones, alguna de ellas genial –la lentitud del Trío del Scherzo resulta muy atractiva–, pero le falta unidad en el discurso, resultando con frecuencia caprichosa y poco inspirada en lo poético. Lo más satisfactorio es el movimiento conclusivo, lleno de garra y muy sincero; por desgracia sobran portamentos, y en la coda Kleiber se equivoca de manera catastrófica haciendo que las trompetas no suenen dramáticas, sino épicas. La toma de sonido es muchísimo mejor de lo esperado. (6)

 

2. Szell/Filarmónica Checa (Warner, 1937). Con excelente toma de sonido realizada en Abbey Road nos llega esta interpretación de un Szell de treinta y nueve años que se mueve por un sendero muy distinto al de Erich Kleiber. Comparte con él la vehemencia y el sentido de la rusticidad sonora, pero el maestro de origen húngaro pone orden en el discurso renunciando casi por completo a la flexibilidad del fraseo, apenas se toma libertades y se implica a fondo en lo que a lo largo de su carrera más le va a preocupar: limpieza en la exposición, claridad de planos, buen pulso en las tensiones y, ya en lo expresivo, cierta adustez dramática que a esta obra no le sienta nada mal. El problema, como tantas veces en Szell, es que esto deviene en frialdad, cuando no en rigidez y en cierta machaconería. En cualquier caso, el testimonio es interesantísimo por dejar bien claro que por aquella época ya se podía optar por interpretaciones muy diferenciadas entre sí. (6)

 

3. Ormandy/Orquesta de Philadelphia (CBS, 1956). Esta interpretación va de menos a más. El primer movimiento resulta no ya excesivamente rápido, sino nervioso hasta rozar por momentos lo convulso. Largo trivial, dicho de pasada, sin rastro de poesía. Magnífico el Scherzo, rústico en el mejor de los sentidos, dotado de impulso rítmico y del adecuado carácter sanguíneo. Finale sincero y con fuerza, aunque en algunos pasajes mejor paladeado que en otros: necesita mayor unidad. Buen sonido monofónico. (6)

 

4. Reiner/Sinfónica de Chicago (RCA, 1957). Las principales bazas de esta interpretación son la calidad de la orquesta y la capacidad de la batuta para tratarla con plasticidad, sutiles matices, atención a la claridad y una brillantez que sabe no caer en la ampulosidad o el efectismo. El problema es que Reiner, siempre brioso y electrizante, no termina de tener una idea clara de la partitura y se muestra un tanto falto de inspiración, sobre todo en un primer movimiento cuyos aspectos líricos están dichos de pasada. Muy bien el segundo, sin blanduras. El tercero sería excelente de no ser por un trío superficial. En el cuarto se alternan momentos de garra dramática con otros a los que se les podía haber sacado mayor partido. El final, que sabiamente evita lo épico, no alcanza el desgarro deseado. Sonido fabuloso para la época. (7)

 

5. Fricsay/Filarmónica de Berlín (DG Blu-ray Audio, 1959). El maestro de origen húngaro hace sonar a la Berliner Philharmoniker de una manera mucho más rocosa y escarpada que como lo hará Karajan. Renuncia además a la opulencia, mientras que la extrema flexibilidad de su fraseo frasea ofrece enorme coherencia musical –nada que ver con Erich Kleiber– y no concede espacio a extravagancias. Todo ello lo hace para ofrecer una lectura particularmente dramática, hosca y amarga, rebelde mas no épica, de rabia muy bien controlada, que se encuentra fraseada con tanta delectación como creatividad a la hora de atender al significado de cada uno de los pasajes musicales, pero no precisamente exenta de cantabilidad, emotividad y belleza. Un clásico, una referencia. El BR-audio aporta gran naturalidad a una toma espléndida para la época. (10)

 

6. Szell/Orquesta de Cleveland (Sony, 1959). Este es un Dvorák fresco, impulsivo, directo; dicho con ganas y sin rodeos, sanamente rústico y ajeno a contemplaciones otoñales. También a preciosismos sonoros, lo que no impide que la claridad sea formidable (¡qué manera de trabajar la masa orquestal!). Pero los resultados expresivos son irregulares. Así, frente a un primer movimiento tan correcto como neutro, le sigue un Largo que no es sensual ni muy emotivo, cosa impensable en el adusto maestro húngaro, pero sí concentrado, hermoso y profundo. Aunque se encuentra bien planteado, el Scherzo resulta algo soso. En el Finale Szell acierta tanto al subrayar su vertiente dramática como a la hora de planificar con rigor para no precipitarse; los hirientes gritos del metal en la conclusión de la página podrían sonar aún más angustiosos, pero a cambio la batuta nos ofrece con anterioridad algunos detalles creativos en el fraseo de los violonchelos muy interesantes por añadir desazón y anhelo a esta música. (7)

 

7. Dorati/Orquesta del Concertgebouw (Philips-Decca, 1959). Aunque ya había más que rebasado la cincuentena, Dorati se muestra como un músico algo inmaduro en una recreación muy vistosa, pero lastrada por evidentes irregularidades. El primer movimiento se encuentra bastante bien resuelto, aunque los acentos que coloca en el tema lírico resultan de un optimismo algo forzado. En el Largo sabe ver el amargor que destilan los pentagramas, no tanto su aliento poético. Mal el Scherzo: rapidísimo, nervioso y hasta espasmódico. La energía que inyecta al Finale resulta más bien aparatosa e insincera; muy discutible la coda. Eso sí, el control de la fabulosa orquesta es inapelable. Un ocho para los dos primeros movimientos, mucho menos para el resto. Toma de sonido óptima para finales de los cincuenta. (7)

 

8. Giulini/Orquesta Philharmonia (EMI, 1961). El deplorable trasvase a CD hacía parecer a la primera de las grabaciones del italiano menos extraordinaria de lo que realmente era. El SACD ofrece una mejoría muy considerable y nos permite disfrutar plenamente tanto de la soberbia ejecución por parte de la orquesta de Klemperer como la magnífica exposición de todos y cada uno de los planos sonoros que realiza una batuta cuya enorme atención por los aspectos técnicos no empaña en absoluto la naturalidad del discurso. En cualquier caso, lo importante es apreciar cómo aquí Giulini no es todavía el de su plena madurez. Hay cantabilidad y elegancia en su fraseo, qué duda cabe, pero los aspectos más rústicos y dramáticos de la partitura –repárese en el Scherzo– alcanzan una enorme relevancia al tiempo que el maestro demuestra ser por completo consciente del amargor que anida en los pentagramas. No hay espacio para paisajismos contemplativos ni, menos aún, para triunfalismos épicos. Poesía a raudales, pero ni la menor concesión de cara a la galería. Lástima que al segundo movimiento, en menor medida también al cuarto, le falten un poquito de personalidad. (9)

 

 

9. Kertész/Filarmónica de Viena (Decca, 1961). Aun teniendo a su disposición a la orquesta de sonoridad más hermosa del orbe, a la que hace sonar con sorprendente rusticidad, el malogrado director renuncia a la belleza sonora para ofrecer una interpretación que pone de relieve los aspectos trágicos y desgarrados de la obra sin realizar concesiones a la contemplación paisajística ni a la delectación melódica, y sin perder la naturalidad ni la flexibilidad en el fraseo. Por desgracia, los resultados son un tanto desiguales. Lo mejor es un primer movimiento lento y concentrado, particularmente sombrío, con una cuerda grave muy amenazante y sin rastro de los portamenti más o menos amables a los que recurren tantos directores. El Largo desprende enorme amargor, aunque su concepto no tenga nada que ver con el yerto, desolador estatismo del que hará gala años más tarde Böhm con la misma orquesta: Kertész es más vehemente e inmediato. Furioso, áspero pero no muy poético el Scherzo, dando paso a un Finale dicho de un solo trazo y lleno de garra dramática. Lástima que la toma sonora resulte más bien estridente, si bien es cierto que el SACD de Esoteric le otorga gran relieve a las frecuencias más bajas. (9)

 

10. Bernstein/Filarmónica de Nueva York (Sony, 1962). Una introducción lenta y concentrada parece anunciar una interpretación de madurez, pero enseguida descubrimos que no lo va a ser en absoluto. En cuanto arranca el Allegro Molto nos encontramos con el típico Bernstein de los sesenta, impulsivo y vehemente que se siente como pez en el agua, recreándose –con indisimulado disfrute– en el contraste de melodías, timbres y masas sonoras con verdadero apasionamiento para intentar seducirnos por el camino más corto. Ciertamente para un oyente inexperto puede dar el pego, e incluso para uno maduro resulta refrescante un enfoque tan juvenil e iconoclasta, pero la sensación de superficialidad, de exceso de nervio e incluso de efectismo termina siendo inevitable. Sorprendentemente, el Largo está recreado con lentitud, concentración y una belleza suprema, aun sin ser el más profundo o conmovedor de los que se hayan escuchado. En el Scherzo vuelven el nerviosismo y los efectos de cara a la galería; el tema lírico Bernstein lo frasea de manera muy particular para que suene en plan étnico. En el Allegro con fuoco conclusivo Lenny oscila entre el arrebato y la solemnidad sin que a uno le quede claro a dónde va la música. Como en el resto de la interpretación, la verdad sea dicha. Muy notable sonido en SACD, aunque los “ruidos de fondo” del original queden muy en relieve. (7)

 

11. Ancerl/Filarmónica Checa (Orfeo, 1963). Ancerl ofrece una interpretación incisiva y teatral, llena de inmediatez y garra, que subraya los aspectos más radiantes del primer movimiento para, por el contrario, llenar de desazón punzante el segundo –poca cosa el corno inglés– y comprender muy bien el carácter dramático de los dos restantes, acertando particularmente en el carácter desgarrado de la coda. Por desgracia, la batuta se ve aquejada de exceso de nervio, incluso de precipitación, ofreciendo un fraseo irregular, a veces crispado, sin todo el vuelo lírico, la sensualidad y la poesía deseables, además de evidenciar cierta tosquedad sonora. En este sentido, las limitaciones de la orquesta quedan muy en evidencia en directo. Buena toma monofónica. (7)

 

12. Klemperer/Orquesta Philharmonia (EMI, 1963). La poderosísima personalidad del maestro queda de manifiesto en esta interpretación asombrosamente bien tocada, rigurosa en su concepto y sin concesión alguna al oyente. Adiós a la delectación melódica, a la contemplación más o menos paisajística y a la brillantez épica. La mala leche de Klemperer se impone sobre cualquier otra consideración, y los aspectos más dramáticos de la partitura adquieren singular protagonismo. No es esta una postura muy distinta a la de Kertész, pero hay diferencias importantes. El húngaro era más directo y vehemente, el de Breslau guardia las distancias. Por eso mismo no convence tanto como su colega en un primer movimiento que podía alcanzar mayor garra. En el Largo no hay rastro de sentimentalismo; tampoco lo hay de poesía, aunque la congoja interna no deja de asomarse de vez en cuando. El Scherzo es un prodigio, sin duda el mejor diseccionado de la discografía: ninguna otra batuta ni orquesta –increíbles las maderas– han alcanzado semejante capacidad de clarificar los planos sonoros, no solo en sus líneas melódicas sino también en su singularidad tímbrica (¡adiós a la belleza, viva la rusticidad bien entendida!). Todo ello, claro está, dentro de una expresión recia, severa y bien tensada, intensísima pero siempre bajo el más estricto control. Expresión que vuelve a primar en un Finale que no es exactamente “Allegro” ni “con fuoco”, pero que resulta coherente y genial. Muy bueno el reprocesado 2023 en alta definición, si bien la toma sigue siendo un poco difusa. (9)

 

13. Karajan/Filarmónica de Berlín (CMajor, 1965). Rescate con soberbia calidad de imagen –celuloide original de 35 mm– y sonido monofónico solo aceptable esta célebre filmación de Henri-Georges Clouzot realizada con una belleza plástica tan atractiva como superficial, siempre al servicio de un Karajan que posa –jersey de los caros y corte de pelo estudiadísimo– con los ojos cerrados y en el cenit de su narcisismo. Significativamente, la obsesión del cineasta francés por las composiciones geométricas y el tratamiento de la orquesta como un conjunto de soldados perfectamente ordenados anuncia las filmaciones posteriores del propio Karajan para Unitel. En lo musical, la interpretación nos muestra al maestro a medio camino entre sus aires toscaninianos de los cincuenta y el refinamiento sensual de las dos últimas décadas de su trayectoria. Así, el primer movimiento se encuentra dicho con empuje y fuerza expresiva, siempre bajo el más absoluto control, pero su empuje también resulta algo seco y contundente. El segundo está paladeado con enorme concentración y despliega una belleza suprema, pero desde un prisma antes evocador y sentimental que amargo. El tercero es impresionante, con un tratamiento del metal que no deja de recordar a Bruckner. El cuarto es el gran punto negro de esta lectura: aquí Karajan prefiere mucho antes lo épico –incluso lo triunfalista– que lo dramático y, obviando claroscuros expresivos, se echa a correr para montar un epidérmico espectáculo de cara a la galería. De propina, una interesante conversación entre Karajan y el musicólogo Joachim Kaiser sobre la huella del folclore norteamericano en esta sinfonía y lo que esta significa, aunque los subtítulos vienen solo en inglés. (7)

 

14. Kertész/Sinfónica de Londres (Decca, 1966). Cinco años después de su grabación en Viena, y contando ahora con una toma sonora más equilibrada y natural –sobre todo tras el reprocesado en alta definición–, el maestro húngaro repite y en cierto modo suaviza su radical enfoque ofreciendo un poco menos de inmediatez y mayor depuración que antes. El primer movimiento, ahora más largo por incorporar la repetición, pierde algo de garra pero sigue resultando muy sombrío. El segundo es ahora más lento, se encuentra mejor paladeado y por ende resulta más ortodoxo en su amargo lirismo; muy inquietante su sección central. El tercero ofrece una furia más controlada, aunque trompas y percusión siguen muy presentes y se vuelve a mirar con valentía a los scherzos brucknerianos. El Finale continúa apostando por la tragedia y ofrece una coda tan desgarradora como la de antes. (9)

 

15. Dorati/Orquesta New Philharmonia (Decca, 1966). Solo han pasado siete años desde su registro en Ámsterdam, pero la maduración de Dorati se hace muy evidente en una lectura que modera el carácter forzado del tema lírico del primer movimiento, corrige el enorme error de concepto en todo el Scherzo, resta aparatosidad al Finale y resuelve mucho mejor la coda. El resultado es una interpretación de gran solidez a la que, no obstante, le sobran excesos de los metales en la conclusión del movimiento inicial y alguna decisión extraña en el tercero. La orquesta le suena menos segura y muchísimo menos limpia que a Klemperer, que conseguía una claridad aplastantemente superior. A la toma le va haciendo falta un nuevo reprocesado: suena distorsionada. (8)

 

16. Kubelik/Filarmónica de Berlín (DG, 1972). Ante todo, hay que destacar el idiomatismo de la interpretación: de fuerte sabor checo, maravillosamente rústica sin rozar siquiera la tosquedad y muy alejada de “contaminaciones” brahmsianas. En lo expresivo, el maestro busca el equilibrio entre los aspectos líricos y los dramáticos de la partitura, atendiendo magníficamente a estos últimos en un acertadísimo Finale que sabe no caer en lo épico ni en lo optimista: el furioso desgarro de la coda deja las cosas bien claras. En el resto de la partitura, aun dicha con frescura y excelente trazo, la poesía no termina de brotar todo lo que debiera: necesita un poco más de sensualidad, de carácter emotivo, como también de imaginación e incluso de compromiso, siempre dentro del alto nivel esperable en el Dvorák de Kubelik y contando con el excelente rendimiento de una orquesta de gran brillantez. Lástima que la toma sonora sufra de limitaciones que ni siquiera la audición en SACD logra soslayar. (8)

 

17. Mehta/Filarmónica de Los Ángeles (Decca, 1975). Obteniendo un rendimiento espléndido de la orquesta californiana –a él corresponde haberla puesta a punto–, el aún joven maestro ofrece la lectura que en él se podía esperar en aquellos años: extrovertida, poderosa y dotada de una sana rusticidad, comunicativa y nada narcisista, de trazo global segurísimo y apreciable claridad –algún pasaje podía estar mejor desmenuzado–, que sabe ser brillante sin caer en la trivialidad ni desdeñar los aspectos dramáticos de la música. Una lástima que en el último movimiento se deje llevar por el nerviosismo y la aparatosidad, aunque la coda esté bien planteada. Espléndida la toma. (8)

 

18. Karajan/Filarmónica de Berlín (EMI, 1977). Sonoridades refinadísimas y opulentas, brillantez garantizada, transparencia, empaste y sensualidad… Tanta preocupación por el envoltorio sonoro no disimula una evidente superficialidad expresiva. El segundo movimiento tiene algo de sentimentalismo, el trío del tercero es algo blando y el cuarto tiende a la ampulosidad, resultando toda su sección final estruendosa y poco convincente. Mejor, en cualquier caso, que su filmación doce años anterior. Por ahí se podía encontrar hace años una remasterización casera que recuperaba la cuadrafonía original con amplia gama dinámica. (8)

 

19. Kubelik/Sinfónica de la Radio Bávara (DVD Dreamlife, 1977). Cinco años después de su grabación en Berlín para DG, el maestro nos deja una filmación en vivo con su orquesta muniquesa en la que nos ofrece una lectura ortodoxa, fluida, fraseada con pasmosa naturalidad, que sabe sonar muy sinfónica sin adquirir una sonoridad brahmsiana, atiende a todos los aspectos de la partitura y ofrece un nada forzado carácter folclórico en el segundo movimiento. Le falta algo más de garra dramática y de fuerza expresiva, al menos en el primer movimiento. Imagen muy buena para la época. (9)

 

20. Böhm/Filarmónica de Viena (CD DG, DVD y Blu-ray Medici Arts, 1978). En el momento más inspirado de su carrera, sin que se le mueva pelo y haciendo gala de esa sobriedad marmórea que le caracteriza, el de Graz nos plantea una visión extremadamente sombría y pesimista que deja de lado cualquier referencia folclórica para centrarse en la esencia del drama. El primer movimiento, en el que resuelve de manera original determinados pasajes, resulta terrible y escarpado. El celebérrimo largo suena con doliente amargura, nos conduce a un clímax sobrecogedor –a destacar el dramatismo punzante que adquiere el retorno del tema del primer movimiento– y concluye en la mayor desolación. En el Scherzo deja de lado cualquier referencia localista, resultando así mucho antes dramático que evocador; absolutamente increíble análisis del entramado orquestal. En el último movimiento olvida la retórica para manifestarse como una terrible lucha contra el destino –desde un absoluto control de la arquitectura: el fuego y la rebeldía no dan pie al menor nerviosismo– que culmina con una coda rebelde, angustiosa, contundente y terrible. El Blu-ray ofrece muy buena calidad de imagen, claramente mejorada con respecto al mediocre DVD. (10)

 

21. Giulini/Sinfónica de Chicago (DG, 1978). En esta grabación Giulini sí que es ya plenamente Giulini, para lo bueno y para lo no tan bueno: el primer movimiento, ahora más depurado –y con repetición–, ha perdido la fuerza y el carácter agreste de su grabación con la Philharmonia. Pero el Largo se encuentra ahora mucho más paladeado (13’44’’ frente a los 12’33’’ de la anterior ocasión) gracias a esa asombrosa capacidad de Giulini para cantar las melodías con una maravillosa mezcla de hondura filosófica y ternura humana, siempre con un fraseo de naturalidad y flexibilidad pasmosas. El Scherzo también ha perdido parte de su garra: ahora resulta severo e inquietante, con un Trio que sustituye la extroversión de antaño por un carácter más bien naif y un punto onírico. En cualquier caso, se encuentra diseccionado de manera portentosa. El Finale sabe aunar belleza melódica y fuerza trágica sin la menor concesión a la retórica vacua a pesar de tener delante a los increíbles metales de la CSO, y lo hace –ahora sí– logrando profundizar en todos sus pliegues expresivos. La toma sonora resulta un tanto extraña y no posee toda la gama dinámica deseable; probablemente ganaría con un nuevo reprocesado. (9)

22. Muti/Orquesta New Philharmonia (EMI, 1979). En sus años de juventud, Muti fue un maestro ante todo decidido y directo, desinteresado por la belleza en sí misma y ajeno a cualquier suerte de narcisismo, que basó su arte en un vigor rítmico y en cierta rusticidad sonora que en cierta medida son deuda de Arturo Toscanini. Por desgracia, lo que le funcionaba de maravilla en Verdi no lo hace en este Dvorák en buena medida superficial, alicorto en poesía e inspiración, en el que solo merece la pena destacar algunos hallazgos melódicos en el Scherzo y las soberbias intervenciones de los primeros atriles de la orquesta que hasta poco tiempo atrás había sido de Klemperer. (7)

 

23. Kondrashin/Filarmónica de Viena (Decca, 1979). Temprana y excelente grabación digital en la que Kondrashin aborda la partitura con una frescura, naturalidad y sinceridad envidiables. No hay segundas lecturas ni una visión de poderosa personalidad, eso es cierto. Además, el equilibrio entre los aspectos líricos y los dramáticos está muy conseguido, todo está magníficamente expuesto, bien trazado y sutilmente matizado, aportando además el sabor rústico necesario a la bellísima sonoridad de la orquesta. A destacar un segundo movimiento inquietante y con desazón, aunque no particularmente sombrío, y un Finale que sabe ser épico pero caer en el triunfalismo. (9)

 

24. Kubelik/Sinfónica de la Radio Bávara (Orfeo, 1980). Otra más que notable interpretación en vivo del maestro con la orquesta bávara, esta vez en CD, en la que este vuelve a hacer gala de enorme fluidez en el desarrollo, apreciable claridad de líneas, sutileza en los matices expresivos y un gran equilibrio entre lo épico, lo lírico y lo dramático, amén de un estilo perfecto que se aparta de la tradición digamos “germánica” sin renunciar a la opulencia sinfónica. En cualquier caso, la comparación con el registro “oficial” para DG resulta inevitable. La formación bávara no posee el músculo en la cuerda ni la brillantez en los metales que tenía la formación berlinesa, y por eso pierde parte de la garra dramática que alcanzaba en aquella grabación el primer movimiento; ahora los aspectos líricos quizá estén algo mejor desarrollados. El Largo, aun siendo un poco menos lento, se encuentra maravillosamente paladeado y ofrece esa mezcla de sensualidad, nostalgia y desazón que necesita, sin forzar ninguno de los ingredientes. El Scherzo no quiere ser adusto ni dramático, pero tampoco trivial; los elementos folclóricos se encuentran integrados con naturalidad. El Finale pierde un tanto por la citada debilidad de los metales muniqueses, pero está dicho con sinceridad y acierta en una coda de adecuado regusto amargo. (9)

25. Levine/Sinfónica de Chicago (RCA, 1981). Toma sonora estridente, confusa y reverberante para una interpretación muy en la línea habitual de Levine: brillante a más no poder –no hay mejor orquesta para conseguir este objetivo que la que tiene aquí a su servicio–, de elevado sentido teatral –podríamos decir operística– e incuestionablemente entusiasta, pero también muy epidérmica, escasa de aliento poético y considerablemente aparatosa, cuando no tendente al escándalo gratuito. No hay quien se la crea. Eso sí, hemos de reconocer que no hay blanduras expresivas y sí un buen trabajo de disección orquestal. Suena regular tirando a mal. (6)

 

26. Maazel/Filarmónica de Viena (DG, 1982). El irregular maestro hace gala de su habitual brillantez, y la orquesta despliega una tímbrica inconfundiblemente bella en los chelos, pero la interpretación es bastante epidérmica. El primer movimiento está dicho de pasada y con exceso de nervio, ofreciendo algunos portamentos molestos y terminando con decibélico efectismo. Al Largo le faltan calidez y hondura espiritual. El Scherzo está bien a secas. El cuarto, aunque está dicho con ganas, cae en la tentación de una excesiva brillantez. Como además la toma sonora no es todo lo admirable que debiera, este termina siendo un disco a olvidar. (6)

 

27. Solti/Sinfónica de Chicago (Decca, 1983). La increíble calidad de la orquesta norteamericana y la capacidad de la batuta para hacerla sonar con brillantez sin caer en lo ampuloso, así como para levantar el edificio con excelente arquitectura sin menoscabo de la naturalidad del fraseo, garantizan un nivel francamente alto a lo largo de toda la interpretación, pero lo cierto es que esta resulta desequilibrada. Solti triunfa en el primer movimiento gracias a su incisividad, garra e inmediatez. El segundo, lento y muy concentrado, posee un fraseo amplio que permite respirar las frases con naturalidad y desgranar admirablemente el entramado orquestal. Posee además un enfoque punzante y por momentos rebelde, siempre ajeno a la blandura o la mera ensoñación. El Scherzo, por el contrario, resulta un tanto rutinario, y en el cuarto, antes épico que dramático, solo hacia el final las tensiones adquieren la visceralidad necesaria. (8) 

 

28. Dohnanyi/Orquesta de Cleveland (Decca, 1984). No es esta la interpretación más hermosa ni la más emotiva que pueda imaginarse, pero ciertamente puede considerarse como la fusión perfecta entre la sonoridad ideal para la obra –rústica, poderosa, de marcado sentido del ritmo y en absoluto timorata a la hora de subrayar el papel de los timbales– y el enfoque expresivo adecuado para los pentagramas –sombrío, amargo y dramático–. La orquesta responde con brillantez y la batuta la trabaja de modo admirable, permitiéndose incluso desvelar líneas instrumentales que generalmente pasan inadvertidas. La toma sonora, algo reverberante y metálica en los violines, suena espléndida en SACD. (9)

 

29. Karajan/Filarmónica de Viena (CD DG y DVD Sony, 1985). Una lectura bellísimamente sonada, excelentemente planificada y ejecutada y ajena a toda retórica y efectismo, pero falta de sustancia dramática en los dos primeros movimientos y algo tendente a lo dulce en el tercero. El cuarto es espléndido, aunque no especialmente creativo ni visionario. La evolución de la manera en que Karajan aborda esta partitura es grande desde la filmación de Cluzot veinte años anterior, pasando por la grabación para EMI de 1977. Se han perdido contundencia y electricidad, también la rabia del tercer movimiento, ganándose en flexibilidad, en refinamiento y en sensualidad; en este sentido, el cuarto movimiento –ahora mejor trazado y mucho menos escandaloso– ha mejorado muchísimo. Digamos que la visión global es ahora mucho menos temperamental y más “de anciano director”, menos tensa, paladeada con mayor delectación, más evocadora y ensoñada, más trascendida. El problema, en cualquier caso, es el de siempre: el maestro se interesa mucho antes por el espectáculo sonoro que por la sinceridad de las emociones, y si antes se volcaba en los grandes contrastes sonoros, ahora lo hace en un ultrarrefinamiento que con frecuencia cae en lo blando y lo amanerado. La orquesta, obviamente, está sensacional. Sonido muy cálido y atmosférico en el SACD de Esoteric, aunque no del todo claro. (9)

 

 

30. Celibidache/Filarmónica de Múnich (MPHIL, 1985). He aquí una interpretación lentísima, concentrada, esencial, sonada con simpar hermosura, muy contemplativa y de una hondura diríamos que filosófica, ciertamente, pero no dulce, ni amable, ni ensoñada, porque está recorrida de un permanente sentido trágico y los clímax, sin ser escarpados, alcanzan una enorme tensión. La manera de tratar la coda final, que suena mucho antes amarga que épica, demuestra hasta qué punto Celi sintoniza con el contenido expresivo de la partitura. Ahora bien, no suena a Dvorák y sí bastante –con descaro en el arranque y el final del segundo movimiento– a Anton Bruckner. Desde el punto de vista técnico, por lo demás, el anciano maestro hace una verdadera exhibición de técnica de batuta. No solo por cómo sostiene el pulso, sino también por la riqueza del color y, sobre todo, por la manera que tiene, sin perder de vista la arquitectura global y fraseando con una naturalidad y una cantabilidad portentosas, de diseccionar la polifonía hasta el más mínimo motivo: dudo mucho que haya una sola interpretación de la obra –salvo la propia suya posterior– en la que se escuchen tantas cosas. La toma, realizada en la Herkulessaal, no es en origen la mejor posible, pero en alta definición ofrece gran relieve. (10)

 

 

31. Chailly/Orquesta del Concertgebouw (Decca, 1987). Registrada antes de asumir la titularidad de la formación holandesa, esta Nuevo Mundo parece responder no tanto a inquietudes artísticas como al deseo de la discográfica de promocionar al maestro milanés como director del gran repertorio. En este sentido, el acierto es indiscutible: todo se encuentra expuesto con una estudiadísima perfección arquitectónica, extrema depuración sonora y una musicalidad en la que no hay espacio para el nerviosismo ni el amaneramiento –ni siquiera para los portamentos más habituales– en que han caído otros grandes artistas. Además, hay amplitud lírica en el fraseo y atención a determinadas líneas que suelen pasar desapercibidas, como ciertas frases de las trompetas en el Finale. Falta lo fundamental: la idea expresiva detrás de las notas, por no decir la imprescindible mezcla de emotividad y sinceridad –la belleza también es importante, pero esa la hay a raudales– que son necesarias en toda gran interpretación. (8)

 

32. Kubelik/Filarmónica Checa (Denon, 1991). La caída del régimen comunista propició el retorno del maestro a Praga y a su querida Filarmónica Checa. Pero el que volvió fue un Kubelik demasiado mayor, a sus sesenta y siete años ya retirado de la dirección de orquesta lo había hecho en 1985- y bastante mermado en lo que a concentración se refiere. Ello queda tristemente en evidencia en esta interpretación irreprochable en su planteamiento –amargo el final, como debe ser–, dicha con la frescura y la comunicatividad que siempre caracterizaron su arte directorial, pero carente de la belleza, de la emotividad y de la fuerza expresiva de sus recreaciones anteriores. Buena parte de la culpa, en cualquier caso, la tuvo una orquesta en la que solo cabe destacar la valentía del timbalero en sus intervenciones, poco más: deja bastante que desear. También lo hace una toma sonora muy por debajo de la media de la época. (7)

 

 

33. Celibidache/Filarmónica de Múnich (DVD Euroarts, 1991). El rumano repite e incluso mejora su personalísimo, discutible y genial acercamiento a la obra ofreciendo una lectura lentísima -a veces resulta difícil seguir los tempi-, poética a más no poder, meramente contemplativa sino también llena de dolor, pero en absoluto lastimosa ni blanda, ante la que hay que descubrirse por la asombrosa plasticidad del tratamiento orquestal. Curiosamente, no siempre es más lenta que la anterior con la misma orquesta: el primer movimiento pasa de 10’48’’ a 11’15’’, pero en el segundo los 16'43'' serán 16'30''. Personalmente me quedo con la de Karl Böhm, pero esta es una de las obvias referencias fonográficas. (10)

 

34. Ozawa/Filarmónica de Viena (Philips, 1991). Notabilísima interpretación en la que el oriental nos sorprende demostrando ser algo más que un maestro capaz de ofrecer refinamiento, elegancia y depuración sonora en grado superlativo, luminosa cantabilidad y un tratamiento tímbrico lleno de sensibilidad. Aquí hay también carácter dramático cuando corresponde, pasajes muy escarpados, cierto atrevimiento –poderosas intervenciones de los timbales–, e incluso un cierto sentido de la rusticidad por completo pertinente. Dicho esto, hay ligeros reparos. En general, se detecta una cierta tendencia a lo paisajístico que, por ventura, no llega a rozar la trivialidad. El Largo no es el más hondo ni doliente posible, y su clímax dramático –algo hinchado– no parece resuelto con convicción. Y hay algún momento –por ejemplo, el arranque del Trío del Scherzo– algo más suave de la cuenta. La soberbia intervención de la orquesta, recogida de manera admirable por los ingenieros de Philips, hace ganar la partida. (8)

 

35. Giulini/Orquesta del Concertgebouw (Sony, 1992). Esta tercera y última grabación del maestro italiano recorre la misma distancia que había entre las dos anteriores. Y lo hace en la misma dirección: perder sabor rústico, empuje y garra dramática para ganar en humanismo, cantabilidad y depuración sonora. Se trata, por tanto, de una interpretación esencial, desmaterializada y trascendida, mucho antes meditativa que épica, paladeada con infinita delectación –el Largo se extiende hasta los 15’26’’, acercándose a Celibidache–, fraseada con una calidez fuera de lo común y cantada con toda la italianidad esperable, aunque dicha también con una densidad emparentada con lo centroeuropeo. En este sentido, la portentosa Orquesta del Concertgebouw resulta, con su proverbial maleabilidad, el instrumento idóneo para sonar con ese empaste sensual propio de un Giulini atento a las voces intermedias y poro interesado por la rusticidad, de tal modo que hace sonar a esta música más cerca de Brahms que del propio Dvorák. Por todo lo expuesto, parece claro se trata de una realización discutible no precisamente en lo técnico, pero sí en lo estilístico y en lo expresivo, más aún cuando entre los minutos 7 y 8 del último movimiento asoma una ensoñación excesivamente relajada que roza la blandura. En cualquier caso, esta es la visión última de un profundo humanista que al final de su vida quiso superar los conflictos –que no negarlos, ni dejarlos a un lado: esta no es una interpretación naif– haciendo que belleza sonora y hondura expresiva alcancen la perfecta fusión para expresar su amor infinito por el ser humano y sus circunstancias. (9)

 

36. Levine/Staatskapelle de Dresde (DG, 1994). Solo un enorme despiste artístico por parte del sello amarillo y mucho dinero de por medio –ya se conoce la fuerza de los ricachones de Nueva York– explican que ese notable director de ópera y enorme petardo sinfónico que fue Jimmy Levine grabara tantísimo y con tan grandes orquestas. Aquí, la venerable formación sajona es sometida al tercer grado por una batuta todavía más norteamericana, en el peor de los sentidos posible, que en su registro de Chicago. El movimiento inicial resulta cuadriculado y machacón: exageradísimas las intervenciones de metales y percusión, muy en la línea del maestro. Frío y aburrido el Largo, que globalmente sería aceptable – pulso sostenido, ausencia de blanduras– si no fuera por los exabruptos del clímax dramático. Bien a secas el Scherzo, dotado de dinamismo y una sana rusticidad. Ruidoso y hortera el Finale. La sensualidad y el vuelo poético brillan por su ausencia a lo largo de toda la interpretación, lo mismo que la finura de trazo. La toma podría ser mejor. (4)

 

37. Maag/Orquesta de la Suiza Italiana (Silverline DVD, 1996). El venerable e infravalorado maestro italiano nos ofrecía en esta filmación televisiva una interpretación muy personal, lenta y atenta a desmenuzar el entramado orquestal –especial atención a las maderas–, que en lo expresivo resulta sobria e introvertida pero llena de fuerza, decantándose claramente por el lado más trágico de la partitura. Lástima que la orquesta fuera de segunda. (8)

 

38. Abbado/Filarmónica de Berlín (DG, 1997). Esta interpretación, aun ajena a los preciosismos y amaneramientos que caracterizaban a Abbado por aquella etapa, responde más o menos a lo que se esperaba: imponente opulencia sonora, contrastes dinámicos extremos, más suavidad de la conveniente en los pianísimos, escaso sentido de la rusticidad y poca sinceridad expresiva. Todo está magníficamente realizado, eso por descontado, y el Scherzo no puede calificarse sino como magnífico, pero el conjunto es muchísimo más vistoso que emotivo. La toma tampoco es ninguna maravilla. (8)

 

39. Harnoncourt/Orquesta del Concertgebouw (Teldec, 1999). Es fácil compartir el concepto de Harnoncourt, dejarse de contemplaciones paisajística y desinteresarse por la belleza sonora en sí misma para resaltar los aspectos más ásperos de esta música. Otra cosa es el cómo lleva dicha idea a la práctica. Así, después de una introducción algo pálida, desarrolla un primer movimiento encrespado, pero también un tanto frívolo cada vez que suena el celebérrimo tema lírico, amén de volcado en unos contrastes que ni el Karajan más desatado. En el Largo el maestro reduce el vibrato y subraya lo que de anhelante tiene esta música, pero sin mezclarla con esa dulzura que también necesita para que el resultado nos hiera el corazón; el resultado, más que obtener esa llama fría de Karl Bohm, es distante. Rústico y malhumorado el Scherzo, lo que está muy bien. El nervio y la incisividad con que Harnoncourt aborda el Finale garantizan el aplauso de cara a la galería, pero el melómano más curtido puede cansarse un poco de tanta violencia gratuita y echar de menos la grandeza trágica de otras interpretaciones. Magnífico sonido en las plataformas de streaming que ofrecen alta definición. (7)

 

40. Colin Davis/Sinfónica de Londres (LSO Live, 1999). Sir Colin ofrece la interpretación esperable de en su última etapa: apolínea en el mejor de los sentidos, equilibrada en lo sonoro y en lo expresivo, muy bien paladeada –lenta pero sin perder el pulso– y memorable tanto por la nobleza de su fraseo –legato para derretirse– como por la manera que tiene de ofrecer la mayor sinceridad dentro de una visión de la partitura que, eso sí, resulta más lírica, evocadora y otoñal –en absoluto blanda– que desgarrada, lo que no impide que haya pasajes de muy dolientes en un Largo desgranado con infinita poesía. Lo menos conseguido es la coda, equivocada por apuntar hacia un carácter épico, incluso optimista, aquí improcedente: todos los grandes recreadores de la página han optado por un más o menos hiriente desgarro trágico. Por lo demás, la orquesta londinense se encuentra en óptima forma y está trabajada con una plasticidad extraordinaria y enorme atención a la hora de delinear los planos sonoros. Muy buen sonido en SACD. (9)

 

41. Abbado/Filarmónica de Berlín (Blu-ray Euroarts, 2002). La levedad y los portamenti de la introducción nos hacen presagiar una interpretación con todos los narcicismos propios del Abbado de la última etapa de su carrera. Venturosamente no es así: la batuta nos termina ofreciendo una interpretación sensata, ortodoxa y musical, sin amaneramientos ni efectos de cara a la galería, además de muy fluida en su discurso y –por descontado– maravillosamente tocada. Ahora bien, globalmente el resultado es superficial, cuando no frío, porque no existe una idea expresiva clara detrás de esta técnicamente portentosa realización: el primer movimiento es notable sin más, el segundo emociona poco, el tercero resulta vistoso antes que electrizante y tiende a lo lúdico –más que a lo poético– en el Trío, mientras que en el cuarto, venturosamente, Abbado se anima y ofrece una interpretación entregada –ya que no particularmente dramática– que se desarrolla de modo convincente hasta culminar en una coda muy bien planteada en lo expresivo. (8)

 

42. Alsop/Sinfónica de Baltimore (Naxos Blu-Ray Audio, 2007). La directora norteamericana nos ofrece una interpretación eminentemente juvenil: rápida –no precipitada–, impulsiva, fresca, luminosa, de gran espontaneidad, muy bien trazada y de gran fuerza comunicativa, que apuesta por los aspectos épicos sin menoscabo de que la coda final suene altamente dramática. En contrapartida, no termina de atender a los numerosos pliegues expresivos que la obra alberga en sus pentagramas. Dicho de otra manera: vistosa, pero un tanto superficial y sin toda la poesía deseable. Soberbia la calidad sonora en BR-Audio, aunque la toma sonora deje a los metales algo en lejanía. (7)

 

43. Nelsons/Sinfónica de la Radio Bávara (DVD CMajor y CD BR, 2010). Una interpretación comprometida, vehemente y muy comunicativa, dicha con una mirada sombría –nada de tópicos paisajistas o folclóricos–, volcada mucho antes en el drama interior que en preciosismos de cara a la galería, desarrollada con ideas propias y magníficamente puesta en sonidos por una batuta plena de virtuosismo y por una orquesta –con el granadino Ramón Ortega al oboe– de enorme calidad a la que el maestro hace sonar con rusticidad adecuada. Hay, en cualquier caso, algunos altibajos: a veces la flexibilidad de la agógica y los contrastes sonoros no permite redondear el trazo global, y no siempre la concentración acompaña al fraseo, al menos en un Scherzo atractivo por su ferocidad y carácter visionario, pero en exceso nervioso. El Largo, por el contrario, se encuentra maravillosamente paladeado, y su amargor se encuentra subrayado por relevadores matices dinámicos. En el Finale me han molestado algunos detalles, pero el desarrollo es muy apasionado y la coda está dicha con apreciable desgarro. (8)

 

44. Harding/Orquesta de Cámara Mahler (YouTube, 2012). Interpretación vistosa, comunicativa y de excelente pulso: en modo alguno se aburre uno escuchándola. La sonoridad es la correcta, sin pretensiones historicistas –conociendo al maestro británico se podía haber esperado algo así– y haciendo sonar a la orquesta con la densidad suficiente, lo que no le impide que en el fraseo primen la agilidad y el impulso rítmico frente a los valores melódicos. Desde el punto de vista expresivo Harding parece centrado, aun siempre en una óptica antes extrovertida que lírica o sensual. El movimiento inicial, dicho con vehemencia admirablemente controlada, ofrece el adecuado carácter épico y combativo; sobran los portamenti del celebérrimo tema lírico, que me irritan sobremanera. El Largo está francamente bien: desolado y con regusto amargo. El Scherzo funciona de manera muy satisfactoria, aunque su Trío resulta en exceso “paisajístico”. En el cuarto hay fuego y brillantez en grandes dosis, esto último quizá demasiado: me da la impresión de que Harding, que no duda en destacar determinadas líneas de las trompetas, descuida los valores más poéticos de la página. (8)

 

45. Belohlávek /Filarmónica Checa (Decca, 2013). Sonoridad rústica, incluso un punto seca, desde luego nada romántica –portamentos cero– para una recreación que se aleja de los tópicos folcloristas al tiempo que reemplaza la frecuente óptica épica para decantarse, haciendo uso de unos tempi lentos que le permiten al maestro checo diseccionar de maravilla la partitura, por una visión sombría, de honda concentración y marcado carácter patético, que culmina en un final de punzante carácter trágico. En el lado negativo, cierta falta de impulso rítmico y de electricidad que produce puntuales interrupciones del discurso. En cualquier caso, una enorme interpretación. Lástima que la toma sonora no sea todo lo excepcional que podía haber sido. (8)

 

46. Dudamel/Filarmónica de Berlín (Digital Concert Hall, 2017). El maestro venezolano corrige gran parte de los errores de su mediocre recreación en el Vaticano diez años anterior y ofrece una estimable lectura de corte lírico, en absoluto interesada por los aspectos más escarpados de esta música, natural en el fraseo y flexible en el trazo, en la que la soberbia orquesta se muestra maravillosamente maleable bajo su batuta y ofrece grandes dosis de belleza. Desdichadamente, los resultados no están exentos de desigualdades. El primer movimiento estaría muy bien si no fuera porque cada vez que llega el celebérrimo tema lírico Dudamel se pone blando, ralentiza el tempo en exceso y ofrece un portamento insoportable. Sensual, evocador y hermosísimo el Largo, aunque carente del amargor que debe desprender y, nuevamente, revestido de inconveniente blandura en los retornos del primer movimiento. Irreprochable el Scherzo, magníficamente delineado y cantado, siempre lejos de la visión demoníaca de otros directores. De gran altura el Finale, comunicativo y dicho con entusiasmo, aunque de nuevo algún detalle por allí y alguna frase por allá confirman que el maestro confunde lirismo con suavidad excesiva. (8)

 

47. Nelsons/Orquesta del Gewandhaus de Leipzig (CMajor, 2017). El maestro insiste, acertadamente, en una visión sombría y dramática de la partitura, en este caso con una orquesta no tan buena como la de la Radio Bávara pero mejorando los resultados de su grabación siete años anterior, sobre todo por un Scherzo menos nervioso y más equilibrado, pese a alguna frase un poco más suave de la cuenta en el Trío. El primer movimiento está dicho con decisión y reviste un carácter escarpado de la más conveniente –gran valentía la de los timbales, que adquieren justa relevancia a lo largo de toda la interpretación–, aunque en el tema lírico tiende un poco hacia la dulzura. Soberbio el Largo, lento y lleno de amargor, con silencios que pesan como losas y sin dejar espacio para la esperanza. El Finale, con algunos detalles en exceso personales y de trazo quizá sin toda la unidad posible, no desatiende los aspectos épicos, pero pone en primer plano el conflicto –sin concesiones al oyente–, hasta dejarnos con el corazón en un puño. En definitiva, una interpretación que busca hurgar en las heridas y que no terminará de convencer a quienes busquen paisajes y felicidad. La imagen alcanza una calidad sensacional, lo mismo que el audio: escuchando la pista multicanal, queda claro que no existe una sola interpretación tan bien grabada como esta, muy por encima de cualquier compact disc. (9)

 

48. Dudamel/Filarmónica de Los Ángeles (DG, 2020). Controlando al máximo su “temperamento latino”, el de Venezuela nos ofrece una Nuevo Mundo que logra ser cálida y hermosa como pocas. Más resignada y tierna que amarga en el melancólico Largo, no vamos a negarlo, pero expuesta con mano maestra y con muy apreciable sensibilidad. Lástima que una vez más Dudamel llega a meter seriamente la pata en la exposición del celebérrimo tema lírico del primer movimiento, de un rebuscamiento y una cursilería insufribles. Si a esto sumamos que el Trío del Scherzo resulta algo más suave de la cuenta, comprenderemos que esta lectura globalmente no será del gusto de algunos melómanos. De mí mismo, sin ir más lejos. (8)

 

49. Mäkelä/Orquesta del Concertgebouw (YouTube, 2022, actualmente no disponible). En enero de 2022 se realizó esta filmación, a puerta cerrada y con algunas mascarillas, con la clara intención de promocionar a un director que contaba solo veintiséis años. La propia orquesta la ofreció gratuitamente –soberbia calidad de imagen y sonido– para que comprobásemos hasta qué punto es grande el talento de Mäkelä. Efectivamente, su control de los medios es apabullante, las ideas son sensatas y dirige con convicción expresiva. Si nos ponemos a comparar, ya surgen algunos reparos. El Allegro molto es irreprochable en su equilibrio entre lirismo y drama, si bien a que los portamentos que son habituales sobran aquí tanto como en otras recreaciones. Tan hermoso en lo sonoro como inexpresivo el Largo: como ocurre en algunos movimientos de su ciclo Sibelius, la música no se siente. En exceso nervioso el Scherzo, magnífico su Trío. Y espléndido el Finale: donde tantos directores se sueltan la melena, el finlandés se muestra la mar de centrado y sabe ofrecer garra sin numerito de cara a la galería. A la coda, lástima, le podría haber sacado mayor partido. (8)

50. Shani/Filarmónica de Rotterdam (Warner, 2025). Como en su momento propusieron –siguiendo maneras bien distintas entre ellos– Istvan Kertész y Karl Böhn, el joven Lahav Shani decide olvidarse del lirismo contemplativo de la sensualidad y hasta de la ternura que en buena medida han hecho célebre a esta partitura, para en su lugar poner el dedo en la llaga y hurgar en ella. Con todas sus consecuencias, entre ellas lo unilateral del resultado. Interpretación altamente dramática, en cualquier caso, con frecuencia rebelde, llena de dolor y sonada con una aspereza digamos que eslava de lo más conveniente, pero no por ello descuidada en lo que a belleza formal se refiere: la planificación es modélica en todo momento, de manera muy particular en un Scherzo que probablemente nunca haya sido tan bien diseccionado. Casi lo mismo se puede decir del Finale. El resultado es una especie de "Furtwängler de guerra", pero sin libertades en la agógica, con muchísimo mayor autocontrol y dosis muy superiores de refinamiento sonoro. Difícil concretar por movimientos. Decidido y directo al grano el primero, sin rastro de portamenti. Desolado, sin asomo de blandura el segundo, aunque hay que reconocer que recreaciones mucho más poéticas se han escuchado. El tercero no necesita ser protobruckneriano como los de Kertész, pero por ahí van los tiros; el Trío es el único momento en el que Shani baja la guardia y nos deja gozar de la música, aunque no deje de aportar algún detalle inquietante. El cuarto conoce la interpretación más rabiosa, implacable y dramática de la historia del disco. La más sincera. La que por fin hace justicia al drama que se ha venido intuyendo en los tres movimientos anteriores. Diría que nos encontramos ante un hito de la interpretación si no fuera porque cinco meses el maestro israelí tendría la ocasión de repetir la experiencia con una orquesta superior a esta tan bien trabaja de Rotterdam. (9)

51. Shani/Filarmónica de Berlín (Digital Concert Hall, 2026). Igual de genial. Igual de discutible. Sin duda reveladora. La diferencia de esta recreación con la del audio en Rotterdam viene por parte de los berlineses: no es solo que la sonoridad global sea más hermosa, potente y robusta, sino que además los primeros atriles, solistas de enorme categoría todos ellos, aportan una musicalidad fuera de serie. Por lo demás, el trabajo técnico de la batuta vuelve a ser de impresión: difícilmente se encontrará una versión más clara y mejor tocada de los dos últimos movimientos. En fin, mi versión favorita junto con la de Böhm/Viena y las de Celibidache/Múnich. (10)